musicasrevueltas

Sexteto Tabalá/ Con un Solo Pie

2010-07-14T09:46:00.000-07:00

Sexteto Tabalá
Con un solo pie
Palenque Records/Om Producciones/Millenium
2010

Son palenquero para todos

Hace cuatro años, en estas mismas páginas, Juan Carlos Garay pronosticaba con cierta resignación pesimista que el son palenquero de sexteto tenía como único destino la extinción. En su reseña sobre el tremendo documento “Sextetos Afrocolombianos” (La Iguana Ciega, 2006), Garay apuntaba, citando el epílogo del mencionado libro, que “…dada la penetración del picó, el vallenato y la champeta, es probable que los soneros del sexteto afrocolombiano desaparezcan a corto plazo”. Por fortuna, los presagios de Garay no se cumplieron y hoy podemos respirar tranquilos al saber que el Sexteto Tabalá, uno de los monumentos vivos más importantes de la tradición musical palenquera, se mantiene incólume y renovado gracias a la reciente edición del disco Con un solo pie.

De África a los Montes de María
De alguna manera Palenque de San Basilio ganó visibilidad en los medios por allá en 1972 cuando Antonio Cervantes “Kid Pambelé” derrotó al panameño Alfonso “Peppermint” Frazer. En boca de todo el mundo se encontraba el pueblo natal del “Pambe” pero poco o nada se sabía de una historia enrevesada que se remonta a 1713 cuando Benkos Bioho, un esclavo procedente de Guinea, se levantó ante el poder colonial español y se proclamó rey de San Basilio, primer pueblo de negros libres de América Latina.
A medio camino entre la realidad y la fantasía, Bioho se convirtió en un símbolo de la gesta libertaria cimarrona y su historia aún hoy sigue siendo revisada no solo en las letras de grupos como el Sexteto Tabalá sino en libros como La Ceiba de la memoria donde Roberto Burgos Cantor crea una metáfora monumental de Benkos, imagen nítida del esclavo silenciado.
No obstante en 2005 la Unesco proclamó a Palenque de San Basilio como Obra Maestra del Patrimonio Oral e Inmaterial de la Humanidad, aún somos muchos los que desconocemos que allí perviven complejos rituales fúnebres como el lumbalú, prácticas médicas centenarias y se habla el palenquero, una lengua criolla de origen bantú distinta al español, que tiene una estructura fonológica, morfológica y sintáctica con códigos específicos que la hacen única en el planeta.
A pesar del olvido y el aislamiento social, San Basilio sigue allí, dibujado en uno de los valles de los Montes de María, y a tan solo 70 kilómetros de Cartagena. Agrupados en 435 familias, sus 3500 habitantes parecen vivir en una república independiente que, insurrecta, sigue cantando y bailando a ritmo de bullerengues sentados, chalupas, son de negros, chalusonga y son palenquero, entre otros géneros que conforman el complejo musical de la región.

De Cuba a San Basilio
Así como la mayoría de las músicas colombianas de la Costa Caribe y el Pacífico, el son palenquero de sexteto es un híbrido donde confluyen tradiciones africanas, europeas e indígenas. Esto quiere decir que no es un género puro, no nació de la nada.
A principios del siglo XX, inversionistas norteamericanos lograron la concesión para explotar la caña de azúcar en Sincerín, región cercana a San Basilio. “Central Colombia”, como se le llamó al ingenio azucarero, fue controlado por cubanos que se trajeron el son montuno, tan de moda por esos días con legendarios grupos como el Sexteto Habanero y el Sexteto de Oriente.
Muy pronto los empleados cimarrones se apropiaron del son bajo formas muy específicas como el bullerengue, la chalupa y la cumbia. Allí nació otro son, distinto al cubano no solo por la clave sino por la inclusión de la marímbula, ese contrabajo metálico de origen africano que en algún momento de la historia se quedó viviendo en Colombia. Entre 1920 y finales de los años cincuenta (cuando “Central Colombia” cerró la refinería) existieron dos sextetos genuinamente colombianos como el Habanero (llamado así en honor al cubano) y el Matentera. De ellos no quedó ningún vestigio fonográfico pero si una semilla que desde 1945, como recios agricultores que son, Rafael Cassiani Cassiani, José Valdés Teherán y Miguel Valdés Cañate, miembros originales de Tabalá, han seguido cultivando a pesar de sequías e inundaciones.

Con un solo pie
Fundado por José Valdés Simancas, el indiscutible “rey de la marímbula”, el Sexteto Tabalá hace honor a su nombre tomado de una expresión criolla palenquera que significa “tambor de guerra”. En el más completo anonimato le han ganado la batalla al abandono y silenciosamente han persistido en el tiempo gracias, también, a que a finales de los noventa el productor bogotano Lucas Silva tomó el riesgo de editar un disco enteramente dedicado a su música.
Prensado en Francia por Ocora, ese primer registro de Tabalá correría la misma suerte que “Reyes del Son Afro-Colombiano”, segunda producción de la agrupación -editada también en Francia por Buda Musique-: quedó en las estanterías europeas como material de consulta para antropólogos.
Teniendo en cuenta esta problemática donde la música del Sexteto era un objeto de museo, Silva decidió hace un par de años darle otro curso al asunto.
Sin traicionar el sonido natural y demostrando que el son palenquero puede llegar a ser de consumo masivo, se trajo al Sexteto Tabalá a Bogotá y lo metió en un estudio de grabación profesional.
Y no se equivocó en el intento. Las trece canciones del disco conservan esas historias de amores místicos, borracheras descomunales, sexualidad desenfrenada y la vida del campo en San Basilio. A su vez, fuera del entorno natural, se muestran renovadas sin que esto les haya significado afectar la crudeza desasosegada de los golpes y las voces legendarias.
“Con un solo pie” recoge una tradición genuinamente afro-colombiana y la pone al alcance del público sin amaneramientos ni estrategias mentirosas de producción.
Allí están, solo escúchelos, quizás usted quede como un trompo, girando en un solo pie.

Publicado originalmente en Arcadia #55, Abril de 2010

Sierra Leona´s Refugee all Stars/ Rise & Shine

2010-07-14T09:34:00.000-07:00

Sierra Leone´s Refugee All Stars
Rise & Shine
Cumbancha
2010

El reciente conflicto bélico de Sierra Leona no difiere mucho del colombiano. Durante algo más de una década (1991- 2002), el país fue azotado por una guerra civil producto del enfrentamiento radical entre las fuerzas del gobierno y el Frente Unido Revolucionario (FUR), guerrilla sanguinaria comandada por Foday Sankoh, directo responsable de una vergonzosa carnicería que dejó como saldo aproximado 50.000 muertes, 100.000 mutilaciones, incontables violaciones, miles de niños reclutados por los bandos en contienda y un tercio de la población desplazada.
En el medio, siempre en el medio y envilecidos por la estupidez humana, más de dos millones de habitantes sierraleoneses fueron obligados a dejar sus tierras y refugiarse, la mayoría, en Guinea.
Dentro de los exiliados estaban Reuben Koroma y su esposa Efuah Grace Ampomah quienes lograron escapar de la barbarie a finales de los noventa. Se asentaron en el campo para refugiados de Kalia, en Guinea, donde se toparon al cantante Francis John Langba (Franco), viejo amigo de andanzas musicales que estaba allí, separado de su esposa y sus hijos. Al poco tiempo, los tres fueron reubicados en el centro Senbakouya y, lo que había sido una intuición, tomó cuerpo al conocer a Abdul Rahim Kamara, Mohammed Bangura y al joven rapero Alhadji Jeffrey Camara (Black Nature). Juntos armaron la banda con el único propósito de hacer música para recordar de dónde venían, conjurar su destino, llorar a los muertos y curar, con obstinada alegría, esa amarga tristeza que inevitablemente se respiraba en Sembakounya.
En el verano de 2002 Zach Niles y Banker White, dos emergentes cineastas norteamericanos, decidieron grabar el documental Sierra Leone´s Refugee All Stars que, tres años más tarde, se convertiría en Living Like A Refugee, primer álbum del combo editado por ANTI, un pequeño sello independiente que los acogió, sin filantropismos enfundados, dentro de un depurado catálogo que ha incluido a Mose Allison, Solomon Burke, Tom Waits, Antibalas, Buju Banton y Nick Cave, entre otros.
Cuatro años después, Cumbancha (la filial alternativa de Putumayo) lanza Rise & Shine, un disco que confirma un par de cosas acerca de la Sierra Leone´s Refugee All Stars. Por un lado, no se trata de un programa post-guerra para la reparación de víctimas –algo tan bello no habría podido nacer de un gobierno ineficaz y corrupto que durante décadas ha sumido a Sierra Leona en la más rotunda de las miserias-. Por otro, tampoco es una de esas campañas patrioteras (tan comunes en nuestra geografía) que inflan los corazones desarraigados con sospechosos discursos que, soportados en las músicas populares, borran de tajo una historia maldita.
Por fortuna, deja ver a unos artistas cuyo compromiso no es salvar al mundo. Más allá de la compasión que puedan despertar en el siempre deslumbrado público occidental, la Sierra Leone´s Refugee All Stars es un homenaje a la esperanza y a la idea de que la música, sin ser un paliativo, logra mitigar el dolor.
Los trece cortes de este registro grabado entre Sierra Leona y Nueva Orleans no esconden nada, hablan de muerte y decepción, de noches horrorosas atravesadas por ráfagas inmisericordes y filos de machete cayendo sobre los cuerpos inocentes de hermanos, padres e hijos.
Se percibe el desencanto de aquel que ya no confía en la raza humana, es cierto, pero también hay alegría; ellos, con el fardo de la infamia a cuestas, perdonan y celebran la vida.

Publicado originalmente en Arcadia # 56, Mayo de 2010

Jorge Drexler/ Amar la trama

2010-07-14T09:17:00.000-07:00

Jorge Drexler
Amar la trama
Warner
2010

Un poco tarde para editarlo en acetato y muy temprano para sacarlo en disco compacto, en 1992 el cantante uruguayo Jorge Drexler presentaría su primera grabación en casete de la que se vendieron 33 copias en la primera edición. Ese mismo año no solo iniciaría su carrera musical sino que recibiría su cartón como médico otorrinolaringólogo, oficio que creyó abandonar. Ya han pasado 18 años después de La luz que sabe robar y Drexler no ha parado de cantar, así como tampoco ha dejado de ser un médico, con todo lo que esto pueda significar.
Podrá sonar a lugar común, pero el señor Drexler cura; pero no el dolor de los pecados, ni el alma impura, ni hace caminar inválidos. No, el tipo no es ningún hippie aspirante a chamán, ni pastor evangélico, ni mucho menos una estrella mediática obsesionada con causas sociales. Solo canta, y en ese trance alivia los oídos cansados de tantas voces prefabricadas.
Aunque vive en España desde 1995, Jorge Drexler sigue siendo un uruguayo común y corriente que además de reivindicar el degradado papel del cantautor, decididamente ha abandonado el estereotipo del latino seductor. Y eso se le agradece infinitamente si tenemos en cuenta que al otro lado del mar, muy despistados, siguen pensando que somos una exótica mezcla entre la poesía de sábana de Ricardo Arjona y la estética mafiosa de Daddy Yankee.
En Amar la trama, su décimo registro como solista, Drexler renuncia de nuevo al estudio (recordemos que Cara B, su disco anterior, fue grabado en concierto bajo métodos poco ortodoxos de producción) y se aventura en una sesión en directo con nueve músicos y un pequeño público acompañante. El resultado es un cumplido a la espontaneidad. Acá no hay trucos, ni libretos, tampoco cronómetros. Si, al contrario, demasiada risa y complicidad; hay mucha trama y pocas son las ganas de saber dónde comienza y termina la reunión.
Es así como, sin muchas presunciones cosmopolitas, Amar la trama se expande de un lado a otro sin mostrar fisuras. Entre el golpe de chacarera aflamencada de “Las transeúntes” y la añoranza blusera de “La trama y el desenlace”, nos podemos topar con sombrías milongas como “Toque de queda” (a dúo con Leonor Watling, cantante de Marlango) y algo de jazz-soul en “I don´t worry about a thing”, versión del clásico de Mose Allison.
De esta forma, en los 45 minutos redondos que dura el disco, Drexler no tiene pena de mostrarnos de dónde viene: aparecen por allí zambas lacónicas (“Tres mil millones de latidos”), citas explícitas a Leonard Cohen (“La nieve en la bola de nieve”), un homenaje a Harrison (“Una canción me trajo hasta aquí) y el optimismo a la Lennon de “Noctiluca”, canción dedicada a Luca, su segundo hijo. Todo esto enmarcado dentro de una atmósfera cordial que nos sitúa en la sala de una casa o en el tablado de una taberna colmada de amigos.
Amigos a los que se les pueden contar historias de amor, nostalgia, sexo, inconformismo y viajes, de eso que hablan todas las canciones. Pasa que acá, como en todos sus discos, Drexler no se toma a la ligera las palabras. Las cincela con tanta gracia y filigrana que, más allá del retruécano metafísico, logra la anhelada conversación. Y eso, querido oyente, lo diferencia del cantante porno-lacrimoso y del médico autómata: con él podemos llorar, reír y sanarnos convencidos de que no nos están engañando.

Publicado originalmente en Arcadia # 55, Abril de 2010

The Tiptons Sax Quartet/ Laws in motion

2010-03-26T14:05:00.000-07:00

The Tiptons Sax Quartet
Laws of Motion
Zipa! /Spoot Music
2008

Luego de que el mundo se enteró de la fascinante historia de Billy Tipton (un pianista célebre no solo por su música sino porque después de muerto se supo que era una mujer), en 1989 Amy Denio y Jessica Lurie quisieron homenajear al excéntrico(a) personaje y conformaron el Billy Tipton Memorial Quartet, grupo que sería el origen de The Tiptons, un ensamble de cuatro mujeres y un baterista hombre. Entre Seattle y Nueva York, estas cuatro mujeres nos venden un tiquete de vuelo que se remonta a los Balcanes, hace escala en Cuba y nos deja, finalmente, en Nueva Orleáns. Editado por una fusión de dos sellos creados entre Denio y Lurie, Laws of Motion es el tercer registro de TTSQ desde Tsunami (2004), álbum donde comenzaron a llamarse como hoy se les conoce en la escena. Acompañadas por Chris Stromquist en la batería, estas cuatro chicas tienen la energía de una fanfarria callejera y pueden enfrentarse fácilmente a un repertorio que va desde canciones tradicionales gitanas ("Yugo A Go Go"); bellos arreglos vocales del folclor taiwanés ("Mi Yo Mei") hasta descargas de alto contenido funkero como "Fallout" y chispazos bien rockeros como "Anthem" y la composición que le da nombre al disco. Afortunadamente las Tiptons no han tenido que vestirse de caballeros para encontrar su sonido: ni mucho menos para ser bien aceptadas: son chichas tocando, así de sencillo. Aquí no hay lugar para estúpidas sentencias machistas del tipo "toca tan bien como un hombre".

Publicado originalmente en Rolling Stone #54, Agosto de 2008

Varios Artistas/ Nigeria Rock Special: Psychodelic Afro-Rock & Fuzz Funk in 1970´s Nigeria

2010-03-26T12:13:00.000-07:00

Varios Artistas
Nigeria Rock Special: Psychodelic Afro-Rock & Fuzz Funk in 1970´s
Soundway Records
2008

El cuartel general de este sello queda en Brighton, Inglaterra. Con más curiosidad que espíritu comercial, Soundway Records ha editado un catálogo de doce piezas de lujo que harían palidecer al más furibundo de los coleccionistas. Desde el sonido caribeño de Discos Fuentes, pasando por el funk panameño hasta llegar al misterioso Mulatu Astake, el sello ha ido lanzando también una serie de discos dedicados al sonido proveniente de Nigeria, tratando de obviar el lugar común, es decir, Fela Kuti. Y es que debajo de la figura del recordado creador del afrobeat se esconde una cantidad inimaginable de bandas que durante los setenta no fueron ajenas al rock y al funk. Aunque ya pequeños grupos se habían formado a principios de los sesenta no sería sino hasta que Ginger Baker (junto a Airforce) llegara a Lagos para que se consolidara un fuerte movimiento liderado por BLO, Mono Mono, Ofo The Black Company, The Funkes, The Wings, The Hygrades, The Action 13 y The Elcado. Todos ellos (más la inclusión de verdaderas rarezas como Tabukah “X”, Question Mark y Tunji Oyelana) se encuentran en este compilado que saca a la luz, luego de más de treinta años, un material absolutamente inédito para occidente. El sonido que acá nos topamos es oscuro, algunas veces muy rumbero y otras elevado; nunca antes la sicodelia se vio tan bien asimilada fuera de sus límites.

Además de la música, el libro contiene un librillo interior con información detallada de discos, historias y grupos de esa historia nebulosa que hasta estos días empieza a ser contada. Ideal para saber a qué sonó la sicodelia del Tercer Mundo.

Más información sobre Soundway:
www.soundwayrecords.com

Publicado originalmente en Rolling Stone #54, Agosto de 2008

América Contemporánea/ Um Outro Centro

2010-03-19T20:04:00.000-07:00

América Contemporánea
Um Outro Centro
Núcleo Contemporáneo
2006

Si a la fecha algún desprevenido nos viene con el viejo cuento de la integración latinoamericana, de seguro intentaremos desviar nuestro camino pues bien puede tratarse de un nostálgico que se quedó viviendo en los sesenta o tal vez de un pseudo-caudillo con delirios integracionistas cercanos al chovinismo. Ahora bien, si es el brasileño Benjamín Taubkin el personaje que nos propone el diálogo, el asunto es a otro nivel, a uno más sensato donde la música está en la mitad diciéndonos que si es posible transgredir las fronteras sin necesidad de mostrarse los dientes ni mucho menos de amenazar con ejércitos ni cañones. Desde hace más de veinte años este pianista ha logrado consolidar una búsqueda estética donde Latinoamérica, más allá de ser un continente exótico, es un cúmulo de músicas que se cruzan entre si a través de finos vasos comunicantes que aún hoy, están por descubrirse. Con más de 150 producciones en su trayectoria (muchas de ellas editadas por Núcleo Contemporáneo, su sello), Taubkin cumple ahora un viejo sueño: integrar en un colectivo sonidos y músicos provenientes de diferentes latitudes latinoamericanas. Es así como en Um outro centro coinciden la cantante Lucía Pulido (Colombia), el saxofonista y flautista Álvaro Montenegro (Bolivia), el violinista Aquiles Báez (Venezuela), el percusionista Luis Solar Narciso (Perú), el contrabajista Christian Gálvez (Chile), el multiinstrumentista Carlos Aguirre (Argentina) y los brasileños Siba (rabeca), Ari Colares (percusión) y José Miguel Wisnik (piano). En un ejercicio donde el jazz es el pegamento estilístico ideal aquí se dan cita bullerengues, joropos, chacareras, cantos de vaquería, sayas, cirandas y landós. Cuando medio planeta todavía sigue pensando que el Nuevo Mundo se destapó musicalmente por culpa de Juanes y Shakira, aquí está un documento que, sin tanta algarabía mediática, nos deja ver en perspectiva un nuevo centro.

Publicado originalmente en Rolling Stone #51, Mayo de 2008

Sebastián Cruz and The Cheap Landscape Trio/ Sebastián Cruz and the Cheap Landscape Trio

2010-03-19T19:28:00.000-07:00

Sebastián Cruz & the Cheap Landscape Trio
Sebastián Cruz & the Cheap Landscape Trio
Independiente
2008

En los recuerdos de algunos románticos bogotanos todavía están presentes El Zut y Los del Centro, dos agrupaciones capitalinas que en la primera mitad de los noventa lograron cierta resonancia pues, paralelo al trabajo de Bloque de Búsqueda, Distrito, La Provincia y Lucía Pulido, ellos también lograron amalgamar mucho rock ´n´ roll, funk, cumbias, currulaos y porros en un solo sonido que casi 15 años después ha tomado vuelo. Después de participar junto a El Zut y Los Del Centro en las tres primeras versiones de Rock al Parque, Sebastián Cruz, su guitarrista y cerebro creador viajó a Nueva York donde se quedó viviendo. Allí se acercó al sonido acústico del jazz y la música andina colombiana dando como resultado proyectos como Coba y colaboraciones al lado de Lucía Pulido, Tibaguí y Samurindó. Rememorando viejas épocas en las que el sonido sucio y esquizofrénico del rock se colaba por sus oídos, Cruz ha decidido dejar a un lado la calma para pronunciar su furia. Junto al trío Cheap Landscape (integrado por Rubén Samama en el bajo y Joe Taylor en la batería) el guitarrista ha editado una placa enérgica en la que se dejan ver influencias que llegan desde Bill Frisell, Peregoyo y Noel Petro "El Burro Mocho" hasta una increíble asimilación (desde las sonoridades colombianas, por supuesto) del particular sonido de Marc Ribot. En Sebastián Cruz & the Cheap Landscape Trio todo suena espontáneo tal vez porque la grabación se llevó a cabo en vivo en una sesión de cuatro horas donde se puede pasar del sosiego abrumador de "Preludio empañado" y "Cometa de plumas" hasta descargas incontenibles como "Caranga" y "Paradis quarter", corte inspirado en el extravagante sonido de Konono No 1. Aunque este disco destila venenoso rock ´n´roll, Cruz alcanza el equilibrio perfecto con "El birimbí", tema tradicional del Pacífico colombiano que en manos del guitarrista renueva ese sonido punzante de los setenta que Fruko logró con Afrosound.

Publicado originalmente en Rolling Stone #56, Octubre de 2008

Orquesta Filarmónica de Bogotá/ Mestizajes

2010-03-19T19:02:00.000-07:00

Orquesta Filarmónica de Bogotá
Mestizajes
Alcaldía Mayor de Bogotá D.C. / FM Discos
2009

Han sido más de cuarenta años en los cuales la Orquesta Filarmónica de Bogotá (OFB) ha desacralizado la imagen elevada de la música erudita y, ya sea en el León de Greiff, en el Fabio Lozano, en parques o calles bogotanas, se ha preocupado por entregar a un público masivo interpretaciones que van desde los clásicos colombianos (Pedro Morales Pino, Francisco Cristancho y Lucho Bermúdez, entre otros) hasta depuradas puestas en escena de las sinfonías de Mahler.
Aunque el repertorio colombiano (popular y culto) ha estado siempre dentro de los intereses de la Orquesta, no fue sino hasta julio de 2009, en el León de Greiff, donde se fraguó quizás el proyecto más avezado de la Orquesta en toda su historia.
Dejando a un lado las polarizaciones (ese mal que sufrimos los colombianos cuando hablamos de fútbol, política y música), María Claudia Parias, directora general de la Orquesta, Ricardo Jaramillo, director artístico e Iván Benavídes, productor general, decidieron hacer un disco donde voces disímiles del amplio espectro que componen nuestro panorama musical actual se dieran cita para demostrar de una vez por todas que lo clásico y lo popular pueden convivir sin ningún tipo de infundada tensión.
Hasta aquí la cosa pinta muy bien, y la expectativa crece cuando nos enteramos de que en este registro podremos escuchar a la OFB interpretando arreglos de estilos muy diversos que van desde el pop (Cabas, Andrés Cepeda, Mónica Giraldo, Shakira), el hip hop, (ChocQuibTown), el currulao (Bahía Trío), el rock (Aterciopelados), la salsa (Joe Arroyo), cumbias y gaitas (Toto la Momposina, Gaiteros de San Jacinto), bambucos (Seresta), golpes llaneros (“Cholo” Valderrama) y guascas sicodélicas (Puerto Candelaria).
La curaduría y los repertorios vienen bien en la medida que existe aquí el reto de situar a la OFB en un punto medio entre los “eruditos” y los “profanos”. Hoy en día, cuando a estas alturas del partido en Rock al Parque los metaleros, los emos, los punks, los raperos y los electrónicos no han aprendido a convivir sin mostrarse los dientes, el gesto de Mestizajes es necesario y trascendental en un país que todavía no ha sabido entender su diversidad.
Ahora bien, y entrando al punto neurálgico de este asunto, parece ser que a ejercicios de este tipo no les ha ido muy bien teniendo en cuenta que la música orquestal (por alguna extraña razón) le resta toda la espontaneidad a la música de corte popular. Desde el aburridísimo disco de Cerati, la frialdad de Us and them con música de Pink Floyd, la pifia de Jorge Celedón y el S & M de Metallica, por citar algunos, el resultado ha sido, debemos decirlo, algo estilizado y carente de emoción.
En Mestizajes (disco impecable en sonido y presentación, esto último todo un acierto pues durante años los discos de la OFB no se caracterizaron precisamente por un diseño que fuera más allá de la simple impresión del escudo de Bogotá) todo parece estar en su sitio, en el lugar correcto.
Y ese es el problema. Más allá del riesgo inicial, los arreglos, juiciosos todos, suenan, en su mayoría forzados por la sencilla razón de que todavía, por ejemplo, las percusiones de corte afro-caribeño se sienten como un ornamento y, en esa medida, no dialogan ni se mimetizan.
Aunque a toda costa los arreglistas quisieron que la Orquesta evadiera el convencional papel de acompañante, en temas como “Rebelión”, “Llanero soy”, “Somos pacífico”, “Vuelta canela”, El pescador”, Maligno”, “A paso lento” y “Hay amores”, las voces permanecen en una suerte de burbuja aséptica que las aleja, desafortunadamente, de la fuerza y naturalidad originales.
Salvado el caso de la versión que Seresta ofrece de “Bambuquísimo” y el aventurado arreglo que Juan Sebastián Monsalve escribe de “Zafra llorona” (una pieza de los Gaiteros de San Jacinto que acá suena renovada y muy contemporánea), Mestizajes es un disco que no logra despegar con la potencia que uno esperaría de una Orquesta pues a esa red, a esos mestizajes, todavía se le notan las costuras.
Pero bueno, al fin y al cabo lo anterior no es tan grave pues suponemos que este es tan sólo el inicio de una gran aventura creativa para la OFB. Desde ya esperamos que en un próximo volumen de estos Mestizajes algo se desarticule y se vaya por el camino menos obvio.

Publicado originalmente en Arcadia #53, Febrero de 2008

Hora Local/ Soluciones para todo menos para los problemas

2010-02-19T14:56:00.000-08:00

Hora Local
Soluciones para todo menos para los problemas
MTM
2007

¡Qué carajos! Echemos flores, suficientes flores y no tengamos miedo de ser complacientes con los halagos que suscita Soluciones para todo menos para los problemas, el doble compacto que contiene el sencillo El rock no te necesita (1989), los once cortes originales del álbum Orden público (1991), dos temas inéditos y 19 nuevas versiones de la hoy extinta (circunstancialmente renovada) agrupación bogotana Hora Local. Celebremos pues la falta de seriedad que a principios de los noventa tuvieron Luis Uriza, Ricardo Jaramillo, Fernando Muñoz, Andrés Rojas, Gonzalo de Sagarmínaga, Eduardo Arias, Pedro Roda, Nicolás Uribe, Carlos Mojica y Karl Troller (esta es la lista completa de la pléyade que circuló en las filas de la banda) para dar origen a un proyecto que si bien duró poco, si sentó las bases del “rock alternativo” en una ciudad que por esos años se encontraba alucinada por la efímera explosión de esa falacia que llamaron “Rock en tu idioma” y el brillo opaco del Concierto de conciertos Bogotá en Armonía, esa cortina de humo musical que se inventaron unos para tapar la siempre absurda realidad nacional. Elogiemos, también, el apoyo de MTM (en cabeza de Humberto Moreno), discreta casa disquera que no mezquinó presupuesto para lanzar esta edición de lujo maquinada quijotescamente por Adelaida Callejas, esposa de Arias. Consecuencia de tantas manos juntas es esta grabación que en su época manifestó un espíritu cáustico, decididamente político, mordaz, visceral y sin pelos en la lengua para decir las cosas de frente, sin la cobardía y la ligereza que hoy aqueja a tantas de las agrupaciones preferidas por un público que tampoco se atreve a mucho. A través de un humor fino, una elaborada poesía de corte urbano y un sonido cercano al new wave y la “movida madrileña de los ochenta” en la primera parte de Soluciones para todo menos para los problemas nos topamos con agudas visiones apocalípticas de un mundo al borde del caos ambiental (“La chica de Chernobyl”, “Londres”), sarcásticas diatribas ante las instituciones y los clichés de la sociedad capitalina (“Patio bonito”, “Ella soñaba”, “El mundo que los hippies construyeron”, “Los tacones de Hollywood”, “El rock no te necesita”), y qué decir del diagnóstico esquizofrénico de un país conmocionado por la violencia representado en “Matanza en el bar”, la muy paranoica “Implicados” y la descarnada “Orden público alterado”. Todo un repertorio que a pesar de haber sido interpretado hace 16 años, en la actualidad suena tan vigente que quizás por eso Tributo, la segunda parte del disco, es un acierto por donde se le mire pues, además de rendir homenaje a Hora Local, el trabajo realizado por los invitados es un inquietante y ecléctico muestrario de la escena roquera local, la movida subterránea, la electrónica y algunos proyectos que apenas comienzan. Aquí están Nawal, Atercipelados, Odio a Botero, Pornomotora, Morfonia, Yuri Gagarin, Telebolitos, Schebereeo y Carlos Vives quienes se despachan certeros cortes que van desde el dub, el rock espontáneo y el punk electrónico hasta la increíble versión de “Londres” en la que Vives demuestra que el tropipop ya no lo necesita. Por otro lado, acústicas y caseras se dejan ver las versiones ofrecidas por Patasola, No Esperen Nada de Nosotros y Las Malas Amistades que contrastan con la experimentación electrónica (en línea vanguardista) de Herr Barón y las Alumnas del Glamour, Fénix Project, De Lux Club, Mapa Teatro, Sismo, Trogloditas y la Orquesta Sinfónica de Chapinero en donde Eduardo Arias y Troller (recordando sus viejos tiempos de “Chapinero Gaitanista y “Transite bajo su propio”) arman un rompecabezas con temas de Hora Local y le adaptan un texto desnudo e implacable que revela esa guasa llamada “proceso de legalización del paramilitarismo en Colombia”. Enhorabuena por este disco. En un país sin memoria donde a la vuelta de veinte años no tendremos muy claro quiénes fueron los culpables, no está demás regalar este documento, que es a su vez una fotografía nítida de una década en la que nos han vendido soluciones para todo menos para el olvido. ¡Violentos, el rock no los necesita!

Publicado originalmente en Rolling Stone #44, Septiembre de 2007

The Speakers/The Speakers en el maravilloso mundo de Ingesón

2010-02-18T16:49:00.000-08:00

The Speakers
The Speakers en el maravilloso mundo de Ingesón
Salga el sol
2007

Terquedad, esa es la palabra que mejor puede definir a Mario Galeano y a la legendaria agrupación bogotana Los Speakers. Por un lado, en una época en que las nuevas tecnologías nos permiten obtener en un parpadeo cualquier extravagante documento musical con solo teclear un nombre en el ordenador y esperar pacientemente a que “baje”, Galeano, bajista, compositor, profesor y ahora productor de cintas perdidas, se dio a la tarea de invertir parte de su patrimonio personal para sacar a la luz la primera reedición autorizada de “The Speakers en el maravilloso mundo de Ingesón”, una grabación que durante 39 años permaneció en la memoria de coleccionistas como un raro objeto de culto, más apreciado en Europa y en Norteamérica que en Colombia y que hoy, gracias al empeño del bajista llega no solo a las manos de melómanos nostálgicos sino también a una generación de jóvenes roqueros colombianos que por falta de información o curiosidad (en el peor de los casos) no se alcanzan a imaginar que casi cuatro décadas atrás si hubo rock, verdadero rock and roll, en estas tierras donde la peste del olvido ha condenado, con injusto mutismo, verdaderas joyas del patrimonio sonoro nacional como lo es el caso de esta obra monumental que si bien fue el colofón de una década y el fin de los Speakers como agrupación, marcó un hito en la fragmentada (y hasta hoy nunca contada) historia del rock colombiano.
Ahora bien, si Mario Galeano es un aventurado por querer “recuperar y hacer visibles músicas extraviadas”, los Speakers fueron en 1968, año del lanzamiento de su disco, una agrupación obstinada que cansada de la complacencia ante los medios y el público adolescente, se embarcaron en un proyecto discográfico sin precedentes en la escena local pues dieron vida a una obra conceptual en la que poesía, experimentación musical y arte gráfico lograron condensar en un mismo discurso el desencanto ante una sociedad pacata y moralista que en vez de manifestarse en contra de los muertos de la guerra, se escandalizaba por el pelo largo, la libertad sexual y el discurso crítico de unos jóvenes que a través de la música tomaban conciencia de su lugar en el mundo. “Cuando se creó esta versión de los Speakers, que fue la última prácticamente”, dice el baterista Roberto Fiorilli desde su hogar en Italia, “la agrupación era simplemente un grupo de muchachitos ye-ye y go-go que hacían música comercial y se presentaban muy bien en la televisión. Cuando yo llegué al grupo, este ya tenía una conciencia más sospechosa de lo que era la sociedad. Una de las cosas que a nosotros nos importaba era decirle a la gente que no éramos los muchachitos vestidos de go-go que hacíamos música en la televisión, sino que también planteábamos situaciones serias. Estábamos presentes en la época y no sólo con canciones de amor.” Valiente apuesta si se tiene en cuenta que para esa época la industria del disco, en un afán dogmático y estandarizado, se empeñaba en mostrar como únicos representantes del movimiento a ciertos artistas de corte comercial ligeros y cómodos para el público como lo fueron Vicky, Harold y Óscar Golden.
Después de cuatro registros anteriores, realizados entre 1964 y 1967, donde se mostraron aparentemente inofensivos, los Speakers presentaron su nuevo proyecto a las disqueras que los habían acogido como sus artistas de cabecera. La respuesta fue nula de parte de los sellos quienes afirmaron que la obra iba a ser, además de políticamente incorrecta, desbordada en costos y un fracaso comercial. La negativa tuvo como resultado el hecho de que la agrupación decidiera asumir la totalidad de los gastos de su producción y prácticamente tuvieron la libertad a sus pies, es decir, pudieron hacer lo que les dio la gana. Con la complicidad de Manuel Drezner, un empresario que acababa de instalar en sus estudios los artefactos de grabación más avanzados de Latinoamérica, Humberto Monroy, Rodrigo García y Roberto Fiorilli se encerraron durante 4 meses en las instalaciones de Ingesón (así se llamaba el estudio de Drezner) y en jornadas maratónicas que culminaban en las madrugadas concibieron un disco en el que pudieron explorar las posibilidades sonoras que les permitían dichos aparatos.
Considerada por muchos críticos y coleccionistas como la “obra maestra de la psicodelia latinoamericana”, “The Speakers en el maravilloso mundo de Ingesón” habla por si sola. Desde su dramático inicio en el que un caminante despreocupado es arrasado por un tren, los doce cortes que la integran son un logro musical muy avanzado para la época en Colombia si se tienen en cuenta varios aspectos como lo son arreglos sinfónicos de una sección de vientos, efectos vocales en los que podemos escuchar desde una voz marciana hasta la transmisión radial de una prueba nuclear, cintas magnetofónicas manipuladas y la inclusión de instrumentos tradicionales colombianos, esto último, un recurso técnico pionero de lo que es la actualidad musical colombiana y que Fiorilli evoca como un momento en el que tuvieron una conciencia histórica, no nacionalista: “Vimos a los indígenas de la Sierra Nevada de Santa Marta hacer música muy intuitiva con sonajeros y conchas marinas. En ese instante decidimos incorporar estos elementos a nuestra música para poder demostrar que no éramos solamente roqueros sino que teníamos en nuestro interior un interés hacia lo que era el país y sus antecedentes culturales”.
Pero si la parte musical fue todo un logro, el concepto literario y el diseño fueron no un complemento sino la culminación de una obra integral. En efecto, las letras eran algo más que un simple llanto al amor perdido. Allí estuvieron, para la inmortalidad “Oda a la gente mediocre”, Si la guerra es un negocio, invierte a tus hijos” y “Salmo siglo XX, era de la destrucción”, elocuentes, sarcásticos y frenteros testimonios de una realidad que después de varios años parece no cambiar en nada. Por otro lado, se incluyó un críptico texto del nadaista Darío Ruiz y dos dibujos de Carlos Granada y Augusto Rendón, dos importantes artistas plásticos que en los sesenta fueron ganadores del Salón Nacional de Artistas.
Todo esto y mucho más es lo que usted podrá encontrar en las mil ediciones numeradas que Mario Galeano ha editado en un formato de lujo, tamaño sencillo, cuadernillo y arte originales, notas introductorias y esclarecedoras, sonido mejorado más no aséptico y una réplica de un ácido para “experiencias extrasensoriales” y mejor comprensión de un disco que tristemente no sonó y se relegó al museo como una extraña pieza de colección.

Publicado originalmente en Rolling Stone # 41, Junio 2007

Meridian Brothers/ Este es el corcel heroico que nos salvará de la hambruna y la corrupción

2010-02-18T16:11:00.000-08:00

Meridian Brothers
Este es el corcel heroico que nos salvará de la hambruna y la corrupción
La Distritofónica
2009

"(...) no le auguramos mucho éxito en la radio. Pero esto ya no es problema de los Meridian Brothers sino de la radio." (Garay)

Alguna vez Eblis Álvarez, el meridiano mayor, le decía a una revista que sus letras estaban escritas a través de una técnica que él mismo definió como “perspectiva imposible”. Es algo así como un remolino de palabras que de tanto aparentar incoherencia toman sentidos insospechados: algunas se nos presentan dramáticas y apocalípticas; otras, por el contrario, destilan un humor lo bastante corrosivo como para molestar a los soberbios (perdón, a los magnos dueños del ritmo) que todavía andan creyendo por ahí que la vida (en este caso, ser músico) es un acto muy solemne.

Lo paradójico de este asunto es que después de escuchar la nueva grabación de Meridian Brothers, confirmamos que Eblis Álvarez, además de burlarse de si mismo, tiene la capacidad de tejer con filigrana un disco que no descuida detalles.
Grabado en la sala de su apartamento (donde Álvarez ha tenido que sortear la pomposidad egocéntrica de un vecino dictador) este disco logra el sonido adecuado para sustentar un estilo que le debe tanto al surf como al sonido nostálgico de Andrés Landero que acá se oye lo suficientemente retorcido como para que a los guardianes de las buenas costumbres se les siga ampollando el oído.
Aquí están los Meridian Brothers con las “canciones del nuevo trovador” que, como dijo alguien por allí en el Distritofónico 2009, parecen haber sido escritas para una película tropical de los hermanos Quay.
Pero bueno, mejor no hablar tanto de esta nueva entrega de la Distritofónica pues, por fortuna, el mito no es cierto y el grupo si existe. Lo mejor de todo es que a pesar de ser “el terrorismo del sonido comercial”, sí, escuchen bien, hacen bailar.

Género: Canción melodramática para niños sicodélicos tropicales

Publicado originalmente en RAM #4, Noviembre de 2009

Bolaefuego/ Nación Dormida

2010-02-17T18:06:00.000-08:00

Bolaefuego
Nación Dormida
Independiente
2009

Imagínese usted, querido lector, que en el mismo saco se meten el bajista de Nadie, La Severa Matacera y Paito junto al percusionista de Comadre Araña y Curupira, el trompetista de Skampida y Voodoo Souljahs más el trombonista de La 33. La secuela de esta insospechada reunión no es un grupo más de fusión, ni mucho menos uno de cumbia electrónica como es usual en estos días.
Bolaefuego es una banda que, al igual que Pacho Dávila, no pretende repetir hasta la saciedad el real book, demostrar que bien han aprendido la lección ni, por fortuna, intentar hacer bailar a toda costa a un público colombiano que se acostumbró a una temida sentencia: “si no se parrandea no sirve”.
Lo que disfrutamos acá es música colombiana que a través de un formato bien jazzero se permite un ejercicio creativo donde caben desde el free, algunas formas musicales del Atlántico y el Pacífico colombianos, hasta sonidos provenientes del mundo árabe, los balcanes y el klezmer.
Es por estas razones que “Nación dormida” a veces nos suena a Ornette Coleman, otras a Explonding Customer, en algunos casos nos recuerda a Masada y, en otros, tenemos la sensación de que se trata de una banda pelayera o una chirimía chocoana.
El caso es que estos tipos viven en Bogotá (con todo lo que esto significa) y logran, sin ambición alguna, transformar ese gran abanico de influencias para convertirlas en un sonido muy local que afuera de las fronteras sonaría natural, es decir, universal.
Seis cortes originales y una resuelta versión de “Mopty” de Don Cherry integran este buen disco fundamental en la discoteca de quien quiera entender los vericuetos del jazz en Colombia.

Publicado originalmente en Music Machine #004, Febrero de 2010

Pacho Dávila/ Pendulum

2010-02-17T17:59:00.000-08:00

Pacho Dávila
Pendulum
Independiente
2009

Luego de que en el segundo lustro de la década de los noventa Antonio Arnedo demostrara con grabaciones que si era posible tomarse en serio eso de hacer jazz en Colombia, un impetuoso saxofonista caleño editaría de manera independiente su ópera prima. Cuidándose de no caer en lugares comunes como la repetición aburrida de standars ni mucho menos la pomposidad técnica del latin-jazz, Francisco Dávila retaría al oyente con temas de largo aliento donde la disonancia y el caos premeditado eran la forma idónea para transmitir, por un lado, ese sonido aguerrido que lo caracteriza y, por el otro, una extraña sensación del tiempo que aún hoy, no digamos que lo atormenta, pero que si lo hace grabar discos.
Ya pasaron nueve años y esa búsqueda permanece intacta en “Pendulum”, su quinta entrega grabada en el verano de 2009 en Nueva York.
Como segunda parte de las “New York Sessions”, serie de improvisaciones colectivas que el saxofonista inició el año pasado con el muy introspectivo “The Time is Now”, “Pendulum” es el resultado de un camino sin mapas. Acá solo hay pistas intervenidas, cartografías azarosas que nos llevan fácilmente desde el free hasta la chirimía chocoana.
Al lado de Rafi Makiel en el bombardino, Sebastián Cruz en la guitarra, Martín Vejarano en la batería y la gaita, Armando Gola en el contrabajo y Pheroan Aklaff en la batería, Pacho Dávila se lanza de nuevo al vacío con un registro en el que se le mide a distintos formatos dentro de los que se destacan dos poderosos tríos con Gola y Aklaff (“Singapore noodles”, “Caviar de bocachico”); un cuarteto inédito que incluye trío más gaita y guitarra (“Spiritual realm”) y, finalmente, una abstracción de una chirimía en la que el saxofonista se entrega al delirio junto al bombardino de Makiel y la batería de Vejarano.
En estos tiempos de grandes mentiras creadas en los estudios, “Pendulum” es un homenaje a la espontaneidad. Acá tenemos a un saxofonista tal cual lo veríamos en un bar, un parque o un gran auditorio. Es por esto que este es un disco sincero donde, sin pretenderlo demasiado, los seis que allí se dieron cita se encontraron de pronto, hablando como si fueran viejos amigos.

Publicado originalmente en Music Machine #004, Febrero de 2010

Jaime Andrés Ospina/BBB: Barcelona, Bogotá, Boston

2010-02-17T17:56:00.000-08:00

Juan Andrés Ospina
BBB: Bogotá, Barcelona, Boston
Armored Records/Millenium
2009

Los números no mienten. Después de varios años en que la producción discográfica de jazz nacional había comenzado a repuntar significativamente, es una pena, por ejemplo, que de los quince discos que se editaron el año pasado hayamos pasado a tan solo cuatro en lo que va corrido de este año. Uno de ellos es “BBB: Bogotá, Barcelona, Boston”, ópera prima del joven pianista bogotano Juan Andrés Ospina. Pensado y escrito en tres ciudades donde Ospina ha vivido durante una década, este es un registro en el que podemos descubrir a un gran compositor pero, sobre todo, a un soberbio arreglista.
Siete composiciones (más una versión de “Muy Antioqueño” de Héctor Ochoa) dejan en claro que estamos ante un músico maduro con muchos recursos para poder filtrar en una sola sonoridad jazz muy actual (“BBB”, “Amherst”), nostalgias andinas (“Todavía no”, “Al Chicamocha”) y juguetones golpes percutivos emparentados con el Pacífico y el Caribe colombianos (“Palmaniche” y Yasé mehoku ira”).
Acá hay algo que nos recuerda al primer Puerto Candelaria, a Tico Arnedo pero, por otro lado nos remite, también, a Danilo Pérez y a Maria Schneider. “BBB: Bogotá, Barcelona, Boston” es un disco limpio y sofisticado lo que no quiere decir que sea amanerado ni forzado. Por fortuna no cae en lugares comunes, agrada y se disfruta de principio a fin. Excelente debut para un gran músico que, extrañamente, no fue tenido en cuenta dentro de la temporada de jazz en Colombia.

Publicado originalmente en Music Machine #003, Noviembre de 2009

Siguarajazz/ Manrique Mambo

2010-02-17T17:50:00.000-08:00

Siguarajazz
Manrique Mambo
Nativo Records/ Merlín Studio Producciones
2009

Otro de los discos en coordenada jazzera que se han editado en el 2009 corre por cuenta de Siguarajazz, banda proveniente de Medellín que con “Manrique Mambo” llega a su segunda producción discográfica. Mientras en “063” (Nativo Records, 2007), se debatían entre el sonido afrocubano y algunas influencias prestadas de la música del Caribe y la zona Andina colombianas, en esta nueva placa la agrupación definitivamente ha privilegiado ese toque afrocubano necesario para catalizar un caudal de energía y buenos solos.
Nos encontramos con un disco sabroso, ideal, por un lado, para echarse un baile y, por el otro, para escuchar atentamente (sin perder detalle) la poderosa cuerda de vientos (José Tobón, Juan Pablo Castaño), el tremendo pianista (Diego Lopera) y todo el cuidado que el bajista Juan García ha tenido con los arreglos. “Manrique mambo” es un álbum variado que transita entre la descarga neoyorquina (“En la cocina”, “Décimo”), el toque soul a lo Poncho Sánchez (“Cantar de la mañana”), la samba (“Curiosiño”, la timba (“Es ahora”) y el danzón (“Danzón Trujillo”).
Este es el “sonido paisa” que le habría gustado a Andrés Caicedo.

Publicado originalmente en Music Machine #003, Noviembre de 2009

Gordos´s Project/ The New Tablado

2010-02-17T17:46:00.000-08:00

Gordo´s Project
The New Tablado
Independiente
2009

A propósito de Andrés Caicedo y del sonido paisa, Gordo´s Project me hace recordar aquel cartel memorable inscrito en “Que viva la música” donde Caicedo se iba lanza en ristre contra el chucuchucu: “EL PUEBLO DE CALI RECHAZA: A Los Graduados, Los Hispanos y demás cultores del “sonido paisa” hecho a la medida de la burguesía, de su vulgaridad” Cabe preguntarse entonces qué habría juzgado el escritor caleño si un grupo como Gordo´s Project le hubiese dado un disco. De seguro no habría sido tan implacable. La razón es bien sencilla si tenemos en cuenta que el guitarrista José Villa (cerebro detrás de esta banda) tiene la agudeza suficiente para hacer una lectura ingeniosa de esa música que durante muchas décadas ha sido desdeñada por los cultores del “buen gusto”. Sin pretensiones de corte intelectual (de esas que buscan legitimizar la cultura popular detrás de aburridas parrafadas académicas) Villa puede pasar fácilmente desde un merengue de letra mordaz como “Fashion” hasta “Cumebia” y “Tartamudo”, la primera una cumbia, y la segunda una guasca donde el guitarrista se muestra como un cantante privilegiado que puede cantar con naturalidad trabalenguas, juegos de palabras, e incluso, ponerse en los pantalones de un tartamudo enamorado.
Así, en medio de mucho humor y poca solemnidad, José Villa tiene tiempo para caricaturizar la “vulgaridad” romántica del chucuchucu en cortes bailables como “Terror”, “La Faldita” y “Nasty”.
En estos tiempos, donde Juanes se disfraza con camisetas desteñidas y arma pifias mediáticas como el concierto en La Habana, José Villa no se viene con ligerezas y, sin abusar del falso panfleto, se despacha un vallenato escéptico donde puede pronunciar su descontento:”Ni azules ni rojos/ con maquinarias o independientes/ni izquierda ni derecha/ mucho menos la oposición/Ni populistas/ni de alcurnia por la situación/ni con sancocho ni con lechona/ya no convences y hablas popó”.
A Caicedo le habría caído bien este tipo que a pesar de su gran envergadura sigue, como muchos, invisible. De Juanes, ni siquiera sarcasmo habría brotado del caleño suicida.

Publocado originalmente en Music Machine #003, Noviembre de 2009

Martina Camargo/ Canto, palo y cuero

2010-02-17T17:21:00.000-08:00

Martina Camargo
Canto, palo y cuero
Millenium
2009

Tuvieron que pasar 3 años para que Martina Camargo, cantadora oriunda de San Martín de Loba (población ribereña del Magdalena), nos deleitara de nuevo con un disco en el que su voz es la principal protagonista de berroches, guachernas y chandés. Luego de algunas relevantes apariciones en los dos volúmenes de “Tambora: Baile Cantado en Colombia” (editados con lujo de detalles por Guillermo Carbó en 1995), además del recordado “Cantadoras” de Alekumá y su vibrante participación junto a Noel Petro “El Burro Mocho, Emilsen Pacheco y Ever Suárez en “Conector” de Héctor Buitrago, Camargo entra de nuevo al ruedo con “Canto, Palo y Cuero”, un disco en el que vuelve a retomar la tradición de la Tambora, legado sonoro de cimarrones y negros bogas (antiguos pobladores de la sub-región meridional de la depresión momposina) que, en tiempos de conquista, tuvieron que adaptar sus costumbres ancestrales al yugo español.
Hija de Cayetano Camargo, una de las figuras más emblemáticas de la Tambora en la cultura lobana momposina, Martina hace un ejercicio de memoria colectiva e interpreta (con alegría en unos casos y persuasivo dramatismo, en otros) algunas de las mejores composiciones de su padre. Además, para corroborar que la tarea nemotécnica se hizo con suma rigurosidad, sus dos hijas (Daniela y Nataly) acompañan a la cantadora en un gesto donde queda en claro que viejas y nuevas generaciones se unen para preservar, sin purismos exagerados, una tradición musical que, como muchas en Colombia, se encuentra al borde de la desaparición.

Publicada originalmente en Music Machine #003, Noviembre de 2009

Varios Artistas/Cantos de Desarraigo

2010-02-17T17:10:00.000-08:00

Varios Artistas
Cantos de Desarraigo: Travesía de la Costa Pacífica Colombiana a Bogotá
Fundación Contamíname
2009

A principios de 2009, en estas mismas páginas, celebrábamos con cierta reserva la edición de Pacífico Colombiano: Music Adventures in Afro – Colombia, una bella compilación prensada en Holanda por el sello Otrabanda Records. Un año después, a pesar de que el Festival Petronio Álvarez gana prestigio oficial y de que ChocQuibTown ha logrado penetrar los mercados internacionales, no deja de ser irónico que otra nueva compilación de estas músicas marginales provenga de Europa.
Cantos de Desarraigo: Travesía de la Costa Pacífica Colombiana a Bogotá, es un disco-libro editado en España por la Fundación Contamíname para el Mestizaje Cultural y la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo con el serio propósito de seguir poniendo en evidencia (no sólo ante la comunidad internacional sino también ante la población colombiana, esto último algo que por cierto resulta vergonzoso) la espeluznante realidad del desplazamiento forzado que han sufrido por más de veinte años las comunidades afro-descendientes del Pacífico Colombiano.
Por fortuna este no es un documento oficial lleno de cifras y culpables ni tampoco es una colección de música pensada bajo el sospechoso fervor optimista del tipo Colombia es Pasión; acá hay un ejercicio de memoria colectiva donde no se oculta la barbarie para mostrar la belleza.
Bajo estos presupuestos, la antropóloga Adriana Molano en conjunto con la historiadora Andrea Restrepo y el músico Mateo Molano, lograron atar dos cabos contradictorios de la realidad nacional para recapitular los horrores del desplazamiento forzado y cómo, a consecuencia de éste, las músicas colombianas, en este caso las provenientes del sur y el norte del Pacífico, han sufrido procesos inevitables de mestizaje en la medida que el desarraigo ha llevado a una buena porción de sus actores principales a instalarse en complejos urbanos como Buenaventura, Cali y Bogotá.
Así las cosas, una parte del libro-disco reúne dramáticos testimonios de campesinos, dibujos realizados por niños desplazados para el cortometraje animado Nacidos bajo el fuego y la sobrecogedora crónica Buenaventura, la resistencia negra a cargo de Alfredo Molano quien también aporta un texto investigativo publicado originalmente en el libro “Para que se sepa” del Consejo Noruego para Refugiados.
Por otra parte, no como paliativo, la compilación musical deja ver algunas de las manifestaciones de corte urbano más relevantes en los últimos años como ChocQuibTown, Bahía, La Revuelta, Tumbacatre, Saboreo, Mojarra Eléctrica y Comadre Araña. Al lado de ellos y como testimonio de resistencia pasiva ante el desplazamiento, nos topamos con grupos de marimba de chonta y chirimías tradicionales como Canalón, El Negro y su Élite, Ritmo Son, la Chirimía Tradicional de Leónidas Valencia, Zully Murillo, el Grupo Naidy y tres grabaciones inéditas (registradas in situ por Mateo Molano y Urián Sarmiento durante el trabajo de campo de la investigación) de legendarios maestros que hasta ahora obtienen visibilidad como lo es el caso de Diocelino Rodríguez, Silvino Mina y Gualajo Torres.
Y como para que nada quede en el aire, los realizadores de Cantos de Desarraigo han tenido la agudeza de intercalar, frente a esa realidad que nos obstinamos en dejar a un lado, textos muy puntuales (glosarios, fichas técnicas y entrevistas) para comprender, por un lado, que las músicas tradicionales del Pacífico colombiano no son solo expresiones meramente estéticas sino también experiencias políticas y sociales, y, por el otro, para que el lector- oyente se familiarice con el concepto Nueva Música Colombiana, tan mentado es estos últimos años por periodistas, músicos, investigadores y aficionados
A pesar de que un raro sinsabor aparece después de la lectura de este libro-disco, su audición basta para darnos cuenta de que los colombianos no somos tan espantosos; ni tan felices, como algunos nos han querido mostrar afuera.

Más información acerca de este disco:
www.cantosdedesarraigo.info

Publicado originalmente en Arcadia # 52, Enero de 2010

Damián Ponce/ Disímiles

2010-02-17T16:41:00.000-08:00

Damián Ponce
Disímiles
La Distritofónica
2009

Hace un par de semanas nos preguntábamos con una amiga sobre los portafolios de música local que habitualmente se les presentan a las áreas culturales de las embajadas en otros países. En un momento privilegiado de nuestra historia, cuando el abanico musical es quizás el más grande que Colombia ha podido ofrecer en muchas décadas, reflexionábamos sobre las directrices que se han tenido en cuenta para diseñar dichas carpetas y llegábamos a la conclusión (muy obvia, por supuesto) de que prevalecía una intención harto nacionalista, excesivamente comercial, complaciente y prejuiciosa con otros géneros que no apelan al cliché rumbero.
¿Y el resto? ¿Dónde ha quedado el jazz, la electroacústica, la música de cámara, incluso el rock en sus vertientes más radicales como el metal y el punk?
Siendo justos, esta no es una problemática que deban tragarse entera los curadores. Empieza desde la difusión. Salvados los esfuerzos de Radiónica, en el caso del rock, y de UN Radio y Javeriana Estéreo, por el lado de la electroacústica y el jazz, son pocos los lugares idóneos para que estas manifestaciones sean divulgadas. En el caso de la música de cámara, que existe en Colombia desde los tiempos de Pedro Morales Pino, el panorama es más bien desolador pues, además de ser pocos los espacios radiales, no existe un mercado discográfico, y los pocos registros prensados quedan relegados en los anaqueles de las facultades de música.
Es por eso que “Disímiles” del compositor Damián Ponce (Bogotá, 1980) no puede pasar desapercibida. Joven, muy joven (sin que esto le reste madurez a su obra), Ponce presenta un disco monográfico que se sale del circuito de publicaciones de las universidades y la pone al alcance de un público masivo. Desde su escueta presentación hasta las notas interiores, “Disímiles” marca un precedente pues se aleja de las formalidades académicas y, por ejemplo, no incluye pedantes notas eruditas que espantan a cualquier comprador desprevenido; eso quiere decir que, en un gesto incluyente, deja disfrutar al oyente sin que este tenga encima un informe taxonómico de lo que está escuchando. Desde aquí todo empieza bien.
Escritas en un periodo de seis años, las ocho piezas incluidas en la grabación presentan una amplia gama de formatos de cámara que van desde el dúo de flauta y marimba, un trío de piano violín y violoncello, un cuarteto clásico hasta llegar a una rara pieza para batería, bajo eléctrico, guitarra, saxo alto y clarinete.
Abre el disco “Relevos”, interpretada por el trío Tisquesusa. Basada en un juego de infancia, esta pieza nos remite a una atmósfera bien dramática, como sucederá más adelante con el “Cuarteto de cuerdas I”. Mientras el violín y el violoncello “juegan un rato” el piano mantiene el fuego con largos pasajes intensos que incluyen golpes en el cordaje.
Las dos composiciones para flauta y marimba (“Flauta y golpe”, “Surumbática”) fueron escritas en Cuba mientras Damián terminaba sus estudios en el Instituto Superior de Artes de La Habana. De allí el ambiente algo bucólico, sosegado y feliz al que, con cierta ingenuidad, nos remite esta obra interpretada por dos antiguos miembros del desaparecido ensamble de música contemporánea DeciBelio.
Luego de la calma viene la sacudida ¡Y a qué nivel! Por un lado, el “Cuarteto de cuerdas I” muestra a Ponce muy riguroso y clásico (en cuanto al formato se refiere), pero dueño de su tiempo en términos de composición. Hay en este cuarteto una sensación nerviosa de suspenso y tensión (resuelta con lujo de detalles por el Cuarteto Manolov), que en ocasiones -no sin cierta ironía- nos lleva de momentos a los andes y las costas colombianas. Sin embargo, es con la pieza final donde el compositor arriesga el todo por el todo y, con gran sentido del humor, se va por los lados del porro, el jazz, el punk y el metal. “La quinceañera”, escrita para la agrupación bogotana Asdrúbal, es un plato voraz que suena como un híbrido desquiciado entre Steve Coleman y Lucho Bermúdez.
Al igual que Damián Ponce hay más de treinta compositores colombianos esperando ser incluidos en portafolios y eventos de gran envergadura como el Festival Internacional de Música de Cartagena donde muy pocas veces son tenidas en cuenta estas tendencias locales de avanzada.
Como si el tiempo estuviera detenido, sin que él tenga la culpa, aún seguimos embalsamados en Mozart.

Publicado originalmente en Arcadia # 51, Diciembre de 2009

Varios Artistas/Island Groove; Caribbean Roots Vol. 1

2009-10-07T17:33:00.000-07:00

Varios Artistas
Island Groove: Caribbean Roots Vol. 1
Reef Records
2009

A decir verdad, este proyecto no es novedoso. Grabar músicas de corte tradicional en su lugar de origen, sin efectos prefabricados y buscando la mayor naturalidad posible, fue un ejercicio de etnomusicología a través de cual, hace más de 70 años, Alan Lomax desenterró el jazz y el blues en sus manifestaciones más crudas. En Colombia, aunque el oficio no es tan legendario, tenemos a la mano valiosos precedentes como lo son los registros llevados a cabo por Guillermo Carbó, el percusionista Urián Sarmiento y la minuciosa labor que desde 1993 desarrolla Egberto Bermúdez con la Fundación De Mvsica.
El caso es que, aparte de los discos editados por estos tres investigadores (y las grabaciones de campo que el sello Ocora de Radio Francia prensó hace unos años sobre vallenato, bullerengue y música de sexteto), las publicaciones de música tradicional colombiana no se han caracterizado precisamente por la filigrana, el respeto y la proyección comercial que se merecen productos donde están contenidas las memorias sonoras de un país.
De esta problemática surge el año pasado Reef Records, un pequeño sello independiente que con “Island Groove: Caribbean Roots Vol. 1” ha demostrado cómo es posible acercarse sutilmente a tradiciones centenarias sin deformar su esencia y, mucho menos, sin llegar a la obviedad nacionalista. Acá hay rigor para abordar los contenidos históricos, calidad en la producción musical, estilo en el diseño y honestidad en cuanto a la claridad (en términos comerciales y jurídicos) que los miembros del sello ha tenido con los músicos protagonistas del disco.
Grabado en bloque en septiembre de 2008, “Island Groove: Caribbean Roots Vol. 1” es una compilación que reúne a Trujillo Hawkins & El Polvorete, Roots Radical y Tini Martínez, tres de los baluartes musicales más significativos de la zona insular de Providencia y Santa Catalina, islas en las que a partir del siglo XVII (cuando puritanos ingleses y escoceses llegaron con esclavos a colonizar) se ha venido tejiendo una compleja e híbrida tradición sonora compuesta por música de salón europea (mazurca, waltz, polka, schotisch), pasillo colombiano, manifestaciones rurales caribeñas (calypso y mentó), ritmos modernos de procedencia africana (socca y champeta), blues norteamericano y, recientemente, vallenato y reguetón.
Resulta crucial, desde cualquier punto de vista, una compilación de esta naturaleza si tenemos en cuenta que es la oportunidad para conocer, con sorpresa, personajes como Tini Martínez, un pescador guajiro, isleño de crianza y clásico trovador que con su melancólica voz, su guitarra y, a veces la mandolina, nos evoca un autentico bluesman del tipo Leadbelly. Martínez es hoy en día el principal protagonista de la música de cuerdas del Caribe insular, oficio que aprendió en largos vagabundajes, a pie, en caballo o en bote cuando salía a enamorar mujeres con sus serenatas.
Acá también está El Polvorete, grupo dirigido por Trujillo Hawkins, un insigne profesor de escuela y diestro acordeonero. Junto a su banda, Hawkins perpetúa una vieja leyenda de la región que habla de un cargamento de acordeones que los lugareños encontraron en un barco alemán encallado en las cercanías de Providencia por allá en el siglo XIX.
Por último, Roots Radical es un conjunto de pescadores, agricultores y artesanos que mantienen vivo el formato de música bailable presente en Providencia desde mediados del siglo XX. Maracas, guitarra, jawbone (quijada de burro), tub-bass (bajo de tinaja) y mandolina han sido los catalizadores de un estilo musical raizal, vibrante y espontáneo que, más allá del exotismo, deja ver una zona colombiana excluida en términos geográficos (para bien de su exuberante y delicado ecosistema) pero coyuntural si de arengas políticas se trata.
Esto último tiene sin cuidado a Juan Sebastián Rojas (antropólogo e investigador), Daniel Restrepo y Juan Felipe Pardo (ingenieros de sonido), unos tipos bien tercos que con el estudio nómada de Reef Records en la espalda (así, a la usanza del viejo Lomax) decidieron salir de viaje para mostrarnos, con lujo de detalles, algunos de los sonidos invisibles colombianos.

Publicado originalmente en Arcadia # 48, Septiembre de 2009

Varios Artistas/ Andes Colombianos

2009-09-23T12:40:00.000-07:00

Varios Artistas
Andes Colombianos
MTM
2009

Hace algo más de un año, en estas mismas páginas (ver Número 55), celebraba con entusiasmo la aparición en el mercado de la colección Muevas Músicas Colombianas (NMC) conducida por Humberto Moreno y Camilo de Mendoza. Digo con entusiasmo pues se trataba, tal vez, del único intento hasta la fecha de aglutinar bajo un mismo concepto algunas músicas colombianas que con bastante ingenio, dedicación, independencia y espontaneidad se abstraían, explícitamente, de viejos moldes para involucrarse de lleno con alternativas sonoras que desplazaban ideas como la pureza y el nacionalismo.
Fue así como “Neotrópico” (MTM, 2007), “Salsa D:C” (MTM, 2008) y “Jazz Colombia” (MTM, 2008) nos mostraron un inédito abanico de artistas empeñados con decirnos que el saco definitivamente se rompió y que ya no hay tiempo para pensar las músicas nacionales desde una obtusa perspectiva tradicionalista. Lo que hoy estamos viviendo es el resultado de un largo y complejo proceso de mestizaje que, como bien dice Sofía Helena Sánchez en la introducción del nuevo volumen de la colección, podemos intuirlo desde que los primeros conquistadores pisaron tierras americanas.
Ahora bien, comprendiendo que indios, negros y europeos trazaron un mapa sonoro que hasta hoy empieza a tomar vuelo universal, también se hace necesario entender que dados los intrincados procesos históricos y sociales que ha “sufrido” Colombia, las músicas se han trasladado definitivamente a un entorno urbano que, para bien o para mal, ha enriquecido un entramado rítmico que permanecía acorazado, encerrado en su propio contexto.
Este es el caso de “Andes Colombianos” el cuarto y más arriesgado volumen de la serie. ¿Por qué temerario? Fácil. Desacraliza cánones inamovibles de interpretación, formato y contenido. No obstante desde los setenta las músicas andinas habían encontrado un respiro novedoso gracias al trabajo de nombres (hoy clásicos) como Oriol Rangel, León Cardona, Luis Fernando León, Gustavo Adolfo Rengifo y Jorge Velosa, es a partir de la última década que el asunto dejó de un lado la monotonía del formato de cuerdas y la seriedad académica para involucrarse de lleno con sonidos más frescos como el jazz, el rock y la electrónica. En “Andes Colombianos” hay sorpresas de todo tipo, guiños a otros lenguajes, despistes y, sobretodo, diversidad.
Así las cosas, abre esta compilación el Trío Nueva Colombia, un ensamble que con veinte años en la escena ha madurado un sonido donde el pianista Germán Darío Pérez (uno de los alumnos más aventajados de Oriol Rangel) puede decantar la nostalgia andina a través de un estilo que fácilmente puede llegar a Bill Evans. En esta misma coordenada jazzera (tal vez uno de los aspectos que más controversia causará dentro de los puristas) se encuentra la canción interpretada por la cantante paisa Claudia Gómez. Aunque su voz pueda parecernos demasiado lírica, contrasta perfectamente con el acento de Antonio Arnedo en el saxo soprano logrando darle forma al que es quizás es el tema más “correcto” del disco.
De aquí en adelante las sorpresas no dan respiro. Para la muestra, el sonido del pianista bogotano Ricardo Gallo quien, a medio camino entre Germán Darío Pérez y Andrew Hill, logra mostrarnos como el jazz es uno de los medios predilectos para darle un viaje completamente novedoso al bambuco, ritmo nacional por excelencia que acá se torna un tanto sombrío, abierto a la libre improvisación. Este es el preámbulo para darle paso al protagonista de “Andes Colombianos”.
Desde las vertiginosas laderas del Cañón del Chicamocha, Edson Velandia ha entrado con fuerza en la actividad musical colombiana proponiendo un sonido híbrido e inclasificable. Desde el rock hasta la carranga, Velandia sorprende por su bizarra puesta en escena y sus líricas virulentas que, alejadas del pasquín ligero, nos remiten a la palabrería desbordada de León de Greiff, el universo de Jorge Velosa y la candidez de la canción campesina. De eso da cuenta La Montaña, bambuco que es a su vez una hermosísima canción de cuna que Velandia grabó junto a los niños del Jardín La Ronda en un experimento de música infantil donde supo abordar este difícil género con suma inteligencia, sin llegar a lugares comunes.
De esta voz, que desde Piedecuesta, Santander, a veces nos recuerda a Tom Waits, viajamos a Nueva York donde se encuentra el pianista caleño Pablo Mayor. Junto a su agrupación Folklore Urbano, Mayor propone Santa Teresita, un pasillo de corte académico que, a pesar de construirse bajo una rigurosa armonización jazzera, logra sonar como una de esas buenas bandas municipales.
El periplo continúa haciendo escalas en el jazz como lo es el caso de Bambucol, corte de la desaparecida agrupación bogotana Capicúa. Aquí, además del tremendo solo del guitarrista Juan Pablo Gonzáles, nos encontramos un combo que sabe transmitir el sosiego de las montañas colombianas sin llegar al dramatismo forzado.
Ya en la mitad de la compilación el turno es de nuevo para las voces femeninas. Una ilustre desconocida hace su aparición para demostrarnos que las canciones de amor no son un compendio lacrimoso ni una queja desesperada. La cantante antioqueña Luz Marina Posada, acompañada de su guitarra, nos regala A bordo de tu voz, sencilla guabina que encierra una tierna y esperanzadora declaración de amor.
Preámbulo del que será el momento más aventurado de la placa es Secretos de Cuatro Cuerdas Ensamble, un bambuco “ajoropado” donde llano y montaña se unen. Enseguida, para horror de algunos y para solaz de otros, el muy punkero Héctor Buitrago, baluarte del rock colombiano, se entromete con Fruto Real, lectura electrónica de un bambuco. Junto a su compañera aterciopelada Andrea Echeverry y a la dulce voz de la cantante brasileña Fernanda Takai, Buitrago ejemplifica con herramientas modernas una de las intenciones esenciales de este compilado: las músicas andinas no son patrimonio de los iniciados ni de los herederos inamovibles del Mono Nuñez.
Transitando estos “terrenos peligrosos” nos topamos con Te Necesito de Victoria Sur, corte en el que la cantante (bajo la batuta de Juan Sebastián Monsalve) ofrece un plato rockero que desemboca en el currulao y las sonoridades indias. Amanecer de Puerto Candelaria (agrupación paisa que alguna vez fue regañada en el Mono Núñez) vuelve al jazz con cierto sentido del humor y, de nuevo, Edson Velandia se deja ver inquietante con Dejo, despedida fúnebre de un mal amor cuyo video (recomendación al margen de la ley) muestra los abismales paisajes santandereanos como una fábula alucinada estilo Jodorovsky.
Regresando a Medellín y al sonido más clásico Trío 3 (a la cabeza de Luis Fernando Franco, pianista y productor que ha dejado para la memoria el tremendo catálogo de Guana Records) se despacha un blues “abambucado” o un bambuco “bluseado” (a estas alturas da igual, por fortuna las fronteras se han desvanecido) donde la protagonista es la bandola.
Ya para cerrar, Cabuya (desaparecida banda bumanguesa de donde se desprendieron Velandia y La Tigra y Malalma) lleva el bambuco y la carranga hasta su últimas consecuencias con Perra Vida (que fascinó al mismísimo Jorge Velosa), corte desvergonzado y despechado, dueño de una tristeza que solo puede provenir de los enrarecidos aires del Cañón del Chicamocha.
Apuntaba al inicio de esta reseña que “Andes Colombianos” es una compilación riesgosa si se tiene en cuenta que a las músicas andinas se las ha tratado como un solemne objeto de museo. En aras de expandir los sonidos y de que Colombia deje de ser vista a través de tres o cuatro clones con el mismo sonsonete de siempre, este volumen no es una afrenta ni mucho menos un ataque a la tradición, aquí hay juventud, rigor y aventura, nuevos rumbos que desafortunadamente no tienen cabida en 14 temas. En este sentido, desde ya esperamos una segunda parte donde podamos escuchar a Lucas Saboya, La Cofradía, Ensamble Tríptico, Palos y Cuerdas, Común Tres, entre otros ausentes que por fortuna están allí, esperando ampliar la colección.

Publicado originalmente en Revista Número, Edición 61, Junio- Julio- Agosto de 2009

Varios Artistas/ NeoTropical

2009-09-23T12:24:00.000-07:00

Varios artistas
NeoTropical
MTM
2007

Más allá de lo que los medios y los puristas nos han vendido como la autentica “música colombiana” (esa que frecuentemente se viste con un impostado sombrero vueltiao y se disfraza bajo la odiosa sombra del nacionalismo conservador) existe una generación de músicos que desde hace unos diez años, amparados por el silencio y la libertad proporcionada por la independencia, le han apostado a descubrir en las sonoridades locales un sentido bien inteligente de lo que bien podrían ser las “músicas nacionales”, esas que después de un inevitable proceso de mestizaje (producto del encuentro entre lo tradicional y lo contemporáneo) adoptan un sonido particular que, a fin de cuentas, cuando menos lo estemos esperando, terminará siendo universal.

Para fortuna del público curioso, el fenómeno aglutinado bajo el término de “Nuevas Músicas Colombianas” (NMC) es una alternativa frente a la avalancha de fórmulas orquestadas por empresarios y discjockeys donde la música (la colombiana en este caso) pasa a un segundo plano y se convierte en una muy jugosa receta, desprovista de pasión y espontaneidad.
Concientes de la necesidad por darle trascendencia a un fenómeno musical hilado desde mediados de los noventa por músicos que no se han dejado llevar por insignias sospechosas como “Colombia es pasión”, Humberto Moreno y Camilo de Mendoza se dieron a la tarea de planear una serie de compilados donde se hicieran visibles esas otras músicas que conforman el amplio espectro del las NMC.
Mientras esperamos a que lleguen las colecciones de jazz, salsa y música andina, disfrutemos el primer volumen titulado “Neotropical”, un apasionante viaje musical que, como su nombre lo indica, nos muestra las consecuencias que han tenido las músicas colombianas pertenecientes a los circuitos de los dos litorales: el Atlántico y el Pacífico.
Abre la grabación con “Luna llena” de Sidestepper, agrupación que hace ya más de una década sorprendió a músicos y críticos por su inteligente puesta en escena donde algunas sonoridades acústicas de la costa Atlántica se transmitieron a través del computador y los siempre vilipendiados aparatos electrónicos. Hoy en día siguen a la vanguardia y, para efectos de esta compilación, son la mejor carta de presentación pues contrastan perfectamente con la siguiente invitada, la caleña Liliana Montes quien nos propone una hermosísima versión del “Bambazú”, tema de corte tradicional, incluido en “Corazón pacífico”, su grabación debut en 2001 producida por Iván Benavides.
El viaje, que había comenzado en el Atlántico vira hacia el Pacífico y, después de la voz de Montes nos embarca hacia Medellín, centro de operaciones de la Banda La República, proyecto bailable del pianista Juan Diego Valencia en el que la timba cubana se viste de chirimía y currulao con la inclusión de la muy emotiva y explosiva “Como me da la gana”, tema donde el jazz también gana protagonismo.
Como si fuera una audición en la sala de la casa de un melómano (intuyo que ese fue uno de los orígenes de esta colección) la grabación baja momentáneamente el ritmo y nos encontramos con una de las versiones más acertadas que, en la historia reciente de nuestra música, se han hecho de “Los sabores del porro”, ese himno sabanero de Pablo Flórez. Se trata de Mandrágora, proyecto del guitarrista Camilo Giraldo Ángel donde se destacó la voz de Victoria Sur, cantante manizalita que hoy por hoy posee uno de los registros vocales más apetecidos por el público.
De vuelta al Pacífico nos topamos con Tumbacatre, quizás una de las agrupaciones más relevantes de las nuevas generaciones pues su ecléctica propuesta (que va desde el punk y los sonidos balcánicos hasta el funk) nos advierte que no existen límites entre las músicas. Extrañamente, siendo una banda bien polifacética, “No frito ni asao” es un perfecto ejemplo de cómo unos bogotanos son capaces de tocar un currulao a la tradicional con todos los elementos puestos en su sitio. Caso contrario sucede con Alé Kumá. Aquí son las voces legendarias las que se enfrentan a un formato ajeno (contrabajo y piano). Sin embargo el resultado es memorable. En la desgarrada voz de Etelvina Maldonado podemos escuchar “Negro mirar”, un bullerengue escrito por Leonardo Gómez, cerebro de este singular proyecto.
Llegando a la mitad de la audición aparece Bahía, la orquesta dirigida por Hugo Candelario Gonzáles que a mediados de los noventa le dio un nuevo color a los ritmos de la costa Pacífica. Procedente de Guapi y heredero directo del mágico toque de marimba del maestro “Gualajo” Torres, Candelario modernizó y popularizó estas músicas que aún después del auge que tuvo Peregoyo en los sesenta y los setenta, permanecían bien mimetizadas y celosamente cuidadas por los puristas radicales.
Desde Nueva York, el pianista Pablo Mayor ha encontrado un camino en el que se han encontrado varios músicos colombianos que en el exilio han reconocido su música. Es el caso de Folklor Urbano, su proyecto de gran banda y La Cumbiamba Eneye, dos grupos que de manera juiciosa han llevado el sabor colombiano a una dimensión menos exótica en una ciudad que todavía los mira como extraños a pesar de que muchos de ellos viven allí hace más de una década. Los dos temas incluidos en “Neotrpical” son, por un lado “Cumbia sobre el mar”, donde Mayor demuestra que a pesar de la distancia no deforma la emoción y “Chicharrón peludo”, un porro popularizado por Lucho Bermúdez que aquí, a pesar de la distancia, suena como su fuera interpretado en una calle de San Pelayo.
De vuelta a Colombia, el encuentro es con Totó La Momposina y Járanatambó, dos generaciones unidas por una visión abierta de las tradiciones. De corte roquero resulta la versión que Járanatambó realiza de “Dos de febrero”. Enraizada en las marañas de voces olvidadas Totó se despacha una nostálgica versión de “Manita Uribe”. Sin lugar a dudas, la inclusión de Totó La Momposina en la compilación es una suerte de homenaje a quien fuera una de las pioneras en la investigación y recolección de un material que durante mucho tiempo permaneció en los anaqueles.
Cerrando con broche de oro, la selección propuesta por Camilo de Mendoza se interna definitivamente en la ciudad. Allí están Héctor Buitrago, Mojarra Eléctrica y Choc Quib Town. El primero, un baluarte del rock nacional que en la cúspide de su carrera se sacó de la manga “ConEctor”, una impecable placa donde incluyó “Damaquiel”, bello corte en el que confluye el bullerengue, las voces de Ever Suárez y un invitado de lujo: Noel Petro en el requinto.
Por otro lado, Mojarra Eléctrica y Choc Quib Town confirman porque son los abanderados de una generación que no come entero el cuento de que la música colombiana es Juanes y Shakira emitiendo desde Miami con amor. Reaccionan. Musicalmente proponen alternativas que giran entre el jazz y el hip hop hasta frecuencias electrónicas que llevan el legado tradicional hasta las calles de las capitales colombianas. Es el caso del remix de “El hueco” (tema incluido en “Raza”, segunda grabación de Mojarra Eléctrica) y la enardecida versión que Choc Quib Town hace de “San Antonio”.
Aunque en una compilación mucha gente se queda por fuera (quizás ese es el mejor síntoma de que la escena crece cada día más) “Neotropical” es un nítido crisol donde se pone de manifiesto una nueva forma de pensar nuestra música. De adentro hacia fuera y viceversa. Con un pie atrás y con el otro vislumbrando el futuro.

Publicado originalmente en Revista Número, Edición 55, Diciembre de 2007- Enero- Febrero de 2008

Slavic Soul Party/Teknochek Collision

2009-09-23T12:05:00.000-07:00

Slavic Soul Party
Teknochek Collision
Barbes Records
2007

Barbes es un pequeño local de Brooklyn donde todos los jueves se reúne una fanfarria de corte balcánico. Su nombre es Slavic Soul Party y no es necesario darle muchas vueltas al nombre para saber que se trata de una parranda colosal. Dirigida por el percusionista Matt Moran, SSP inició tocando en las calles y editaron un par de discos que hoy en día son objetos preciados de los coleccionistas. Debido a la popularidad que el combo alcanzó entre los clientes habituales del lugar, el sello discográfico del bar decidió editar “Teknochek Collision”, una grabación donde la fiereza de las bandas de vientos gitanas se encuentra con las raíces del sonido balcánico y el funk. No son tan famosos como Kusturica pero su sonido resulta apabullante y único. Mexicanos, asiáticos e inmigrantes del este de Europa se dan cita para reivindicar músicas que salieron a flote luego de que finalizara el conflicto bélico en la antigua Yugoslavia.

Publicado originalmente en Rolling Stone # 53, Julio de 2008

Colombiafrica- The Mystic Orchestra/Voodoo Love inna Champeta-Land

2009-09-23T11:22:00.000-07:00

Colombiafrica- The Mystic Orchestra
Voodoo Love inna Champeta Land
Riverboat Records/World Music Network
2007

La historia de esta grabación comenzó a gestarse cuando las comunidades afros del caribe colombiano descubrieron el highlife y el soukus, dos de los ritmos más importantes de la música popular africana. En los sesenta, marinos empezaron a dejar grabaciones en Cartagena y por allí cerca, en San Basilio del Palenque (patrimonio cultural de la humanidad que todavía en Colombia es un pueblo fantasma) estos ritmos lograron tal popularidad que al ser imitados bajo códigos locales de cumbia, bullerengue y chalupa generaron la champeta, el primer género contemporáneo de música Afro-colombiana. Han pasado más de cuarenta años y nombres como Viviano Torres, Justo Valdes y Luis Towers todavía son un misterio. Ahora que se habla tanto de “Nueva Música Colombiana” es una fortuna toparnos con esta placa coordinada por Lucas Silva, un inquieto antropólogo que ha destapado para el mundo la inmensa variedad de la champeta, ritmo que por muchos años la alta cultura ha desdeñado como un género menor. Es quizás por esta razón que “Voodoo love inna Champeta Land” (considerado uno de los mejores discos del 2007 en la categoría de World Music) pasó sin pena ni gloria en Colombia y llega con ocho meses de atraso. Sin embargo, la demora no importa pues tener en las manos una reunión inédita de leyendas vivas tanto de la champeta como del soukus, el highlife y el afrobeat -Dally Kimono, Diblo Dibala, Sékou Diabaté, Nyboma y Rigo Star-, es pura gozadera.

Publicado originalmente en Rolling Stone # 53, Julio de 2008

Marc Ribot´s Ceramic Dogs/Party Intellectuals

2009-09-23T10:59:00.000-07:00

Ceramic Dog
Party Intellectuals
Pi Recordings
2008

Resulta complicado resumir en unas pocas líneas la trayectoria de Marc Ribot, guitarrista nacido en 1954 en Newmark, New Jersey. Es difícil pues ha pasado desde el punk hasta la composición contemporánea pasando por el revival judío y la revisión de la música de Arsenio Rodríguez de donde surgió Los Cubanos Potizos, uno de sus proyectos más importantes. Luego del mediano reconocimiento que logró con esta banda y de trabajar, entre otros con John Zorn, Robert Plant, Tom Waits y Susana Baca, Ribot regresa con Ceramic Dogs, un grupo llamado a revolucionar los reductos del rock de vanguardia. “Party Intelectuals” es una poderosa descarga donde Ribot filtra todo su poderío punk a través del exceso, el ruido y el pop más recalcitrante. Junto a Ches Smith (batería, electrónica) y Shahzad Ismaily (bajo), dos jóvenes improvisadores de la escena experimental de California y Nueva York, el guitarrista hace gala de un estilo sucio y con mucho humor. Tal es el caso de la versión de “Break on through” donde el corte de los Doors se deforma hasta tal punto que el homenaje se convierte en una nueva composición. En “Todo el mundo es kitsch” y “When we were young and we were freaks”, la banda se burla de si misma, de sus orígenes, de una escena que cada vez tiende mas al snobismo. El disco suena deliberadamente cursi, esa es la intención. Sin embargo hay algo muy retorcido por debajo que se deja ver cuando la banda se presenta en concierto. En pocas palabras, es una aplanadora que no da respiro.

Publicado originalmente en Rolling Stone # 53, Julio de 2008

Varios Artistas/ Jazz Colombia

2009-09-22T13:16:00.000-07:00

Varios Artistas
Jazz Colombia
MTM
2008

Hace diez años esta compilación habría sido imposible. Antes de 1998 la discografía del jazz colombiano no superaba los diez volúmenes. A pesar de que el género llegó a Barranquilla con tan solo unos años de diferencia luego de convertirse en la música más popular de los Estados Unidos, en Colombia no tuvo mayor repercusión, salvo la influencia que ejerció en la música bailable de Lucho Bermúdez, Pacho Galán y Pedro Laza, entre otros. Sin embargo, el jazz en estas geografías no evolucionó.

Durante las décadas de los setenta y ochenta, a pesar de que un notable número de músicos lo practicaban en una escena vertiginosa como la bogotana, no se grabaron discos. A falta de memoria discográfica, no se sabe qué pasó. Sólo contamos con relatos y nostalgias que, si bien constituyen una forma de narrar y tratar de armar el rompecabezas del jazz colombiano, se quedan cortos frente a la necesidad de saber cómo sonaba y cómo evolucionaba en consonancia con las músicas populares colombianas.
Luego de “Macumbia”, la célebre grabación que Francisco Zumaqué grabara en 1984, algo diferente comenzó a gestarse. Tendrían que pasar doce años para que definitivamente un estilo empezara a tejerse. De la mano de Humberto Moreno, Antonio Arnedo editaría “Travesía”, el primero de cuatro discos que prefigurarían una forma muy particular de hacer jazz donde el ingrediente creativo era la música tradicional. Por fortuna, este mestizaje no se confundió con patriotismo ni mucho menos con falsas posturas caritativas frente a las músicas tradicionales. Se trataba de ir hasta el fondo para saberse contemporáneos y entender, definitivamente, que existía un puente que unía viejas y nuevas sonoridades.
Lo que fuera una intuición hace una década, hoy ya es una realidad. No hubo necesidad de rebuscar grabaciones para hacer esta compilación. De hecho, todavía hay material suficiente para editar otros dos volúmenes. Esto ya dice mucho. Aunque no se ha llegado a la madurez, sí es significativo que en diez años la producción discográfica y los grupos se hayan triplicado. Atrás quedó la excusa de que “no tener apoyo” era el impedimento para hacer una grabación. Hoy en día los músicos colombianos que hacen jazz se están agremiando y, de forma independiente, han sacado discos que desde el diseño, la propuesta sonora y el concepto, dejan entrever una escena prometedora.
Esta es la primera compilación de jazz colombiano en la historia de nuestra música. Aquí se han dado cita músicos que, en su gran mayoría, no sobrepasan los 35 años, algunos incluso, no han llegado siquiera a los 30. Esto significa que estamos frente a una generación a la que aún le queda mucha música por explorar. Nos encontramos ante doce propuestas que han perdido el miedo y se han atrevido a revisar nuestro historial sonoro a través del lenguaje del jazz, sin temor a ser juzgados. Aquí hay riesgo, ingenio, mucho humor y, sobretodo, vitalidad.
Comienza así a escribirse una página inédita en un género todavía incipiente en Colombia. Las generaciones por venir ya no tienen disculpa pues en sus manos queda un documento que habla de una época inaugural. Aunque los aquí presentes tienen “madera” para rato, son las generaciones venideras las llamadas a mantener, explorar y desarrollar aún más este nuevo legado musical.

Sobre los temas y artistas compilados

1. Artificio (Ricardo Gallo)
RICARDO GALLO CUARTETO
Ricardo Gallo (piano), Juan Manuel Toro (contrabajo), Jorge Sepúlveda (batería) y Juan David Castaño (percusión)

Ya va a ser una década desde que Ricardo Gallo abandonó Colombia para adelantar sus estudios musicales en Estados Unidos. Contrario a lo que suele suceder en el auto-exilio, el pianista ha mantenido vivos los lazos con su país a través de la música. Desde “Los Cerros Testigos”, su primera grabación, Gallo dejó en claro que su estilo era ambiguo, unas veces diáfano, otras muy oscuro. Cuidadoso, no se dejó tentar por las ligerezas que a veces suscita la distancia y se dio a la tarea de tejer un entramado musical a medio camino entre Andrew Hill y Germán Darío Pérez. Es allí, en ese punto equidistante, donde podemos ubicar “Artificio”, un tema construido sobre la base de un pasillo chocoano. Los platillos de latón nos dan la clave y el ataque del redoblante nos confirma que estamos en la frontera entre el Chocó y las montañas andinas. A pesar de que casi todo “suena en su sitio”, hay aquí una retorcida nostalgia que no nos deja tranquilos.

2. Fiesta en Corraleja (Rubén Darío Salcedo - Arr. Antonio Arnedo)
ANTONIO ARNEDO
Antonio Arnedo (saxo tenor), Ramón Benítez (bombardino), Jairo Moreno (contrabajo) y Satoshi Takeishi (batería)

Uno de los siete hijos de Julio César Arnedo (según dicen, el clarinetista más poderoso de las sabanas de Bolívar) es Antonio Arnedo. En las frías alturas bogotanas, lejos, muy lejos de Turbaco, población natal de su progenitor, el saxofonista no olvidó el material con el que estaba hilado su pasado musical y, con la nostalgia necesaria para avivar el recuerdo, supo hacer del jazz el vehículo más apropiado para que las músicas de corte tradicional no quedaran sumidas en los mausoleos impenetrables de los folcloristas conservadores. Su exploración significó la ruptura con los modelos convencionales y, alejado de artificios, pudo darle un nuevo sentido al jazz colombiano que por esa época se limitaba a copiar sin mirar adentro. “Fiesta en Corraleja” es un ejemplo de cómo se podía versionar un tema de corte tradicional sin que este perdiera la espontaneidad. El célebre porro de Rubén Darío Salcedo cobró nueva vida gracias también a la inmensa curiosidad de Satoshi Takeishi y la empatía de dos grandes intérpretes como Ramón Benítez y Jairo Moreno. Antes de “Toño” Arnedo nada en el jazz local había sido contundente. Sin duda alguna, abrió el sendero a una generación que una década después empieza a tomar vuelo.

3. Ayer pasé por tu casa (Letra: Iván Benavides / Tradicional. Música: Iván Benavides. Arr. Fernando Tarrés)
LUCÍA PULIDO + FERNANDO TARRÉS & LA RAZA
Lucía Pulido (voz), Juan Pablo Arredondo (guitarra eléctrica), Jerónimo Carmona (contrabajo) y Carto Brandán (batería)

Desde sus inicios al lado de Iván Benavides -con quien conformó a finales de los ochenta un famoso y recordado dueto llamado “Iván y Lucía”-, la cantante Lucía Pulido ha ejercido una importante influencia en las nacientes generaciones de músicos colombianos dedicados a encontrar un equilibrio entre los lenguajes urbanos y los tradicionales. Aunque vive en Nueva York hace más de una década, Lucía tiene muy claro que todo en cuanto a la reinterpretación de la música popular se refiere, está por hacerse. Ha experimentado con diversas tendencias que van desde la música contemporánea (al lado del chelista Erik Friedlander), el bolero y la “música de despecho”, hasta decantar en arriesgadas puestas en escena donde el jazz permite revisar géneros populares sin caer en la obviedad chauvinista. Junto a La Raza, reunión de algunos de los más aventajados intérpretes de jazz en Argentina, liderados por el guitarrista Fernando Tarrés, la cantante planeó un viaje sonoro llamado “Songbook”, trilogía que viajó desde el Pacífico y los Llanos Orientales colombianos hasta las Pampas gauchas.

4. Lo se, las siete, y sale, sol (Juan Sebastián Monsalve)
JUAN SEBASTIÁN MONSALVE TRÍO
Juan Sebastián Monsalve (bajo eléctrico), Adriana Vázquez (piano) y Pedro Acosta (batería)

Al tiempo que dirigía y arreglaba la música de agrupaciones como María Sabina, 1280 Almas y el revolucionario ensamble Curupira, Juan Sebastián Monsalve se involucró en los terrenos del jazz. El azar hizo que una noche de concierto en el extinto local “Tocata y Fuga”, el bajista conociera a Jason Lindner y Jeff Ballard con quienes grabó el álbum “Bunde nebuloso”, uno de los paradigmas de la breve discografía del jazz en Colombia. ¿Qué lo hizo tan relevante? En el mejor sentido de la palabra, supo confundirnos a tal punto de que antiguas formas de la música clásica del norte de la India se mimetizaron dentro de otras provenientes del litoral colombiano. Siete años después, la búsqueda del bajista permanece intacta entre estos dos mundos distantes en espacio pero cercanos gracias a la música. “Lo se, las siete, y sale, sol” está inspirado en un porro palitiao al que se le cruza una tala india. La estructura formal del tema es un espejo, así como su nombre es un palíndromo que evoca un amanecer en las sabanas cordobesas.

5. La Sierpe (María A. Valencia)
ASDRUBAL
Alejandro Forero (guitarra eléctrica), Daniel Restrepo (bajo eléctrico), Marco Fajardo (clarinete), María A. Valencia (saxo alto), Carlos Tabares (trompeta) y Jorge Sepúlveda (batería)

Luego de que a finales de 2004 Asdrubal presentara “La Revuelta”, su primera producción independiente, un camino inexplorado en el incipiente jazz colombiano, vio la luz. “Se trata tal vez del único colectivo que se ha atrevido a adaptar las rítmicas del Caribe y el Pacífico al muy radical estilo free jazz, facción del género que apeló a una total emancipación armónica y rítmica, con todo y las consecuencias que tal independencia pueden traer”. Con estas palabras, Jaime Andrés Monsalve reseñaba la grabación en la revista Cambio, y quizás ya intuía el universo radical donde se posicionaría la música del que, en ese entonces, era un septeto. Después de dos años, consolidados ya bajo un formato de sexteto (a raíz de la partida del pianista Ricardo Gallo a Nueva York), Asdrúbal regresó a la escena con “Habichuela”, álbum en el que el free, el noise y aun el punk, contrastaron con el sosiego de “La Sierpe”, remembranza musical de una cascada ubicada entre Juanchaco y Ladrilleros. Aquí, a pesar de la deformación, hay un 6/8 constante que nos remite directamente al currulao.

6. Danza (Manuel Borda y Sergio Gómez)
MANUEL BORDA TRÍO
Manuel Borda (piano), Sergio Gómez (contrabajo) y Juan Camilo Anzola (batería)

En el 2001 entró en escena el pianista Manuel Borda. Bogotano de nacimiento, inició sus estudios en la capital y posteriormente viajó a Barcelona donde se nutrió de diferentes elementos como el rock y la electrónica. Antes de involucrarse con estas disciplinas, grabó “Imágenes”, un debut denso, casi poético, en el que Bogotá aparecía gris, caótica y desenfrenada. Alejado de las coordenadas de la música tradicional, más bien emparentado con el sonido europeo del sello discográfico ECM y el legado de grandes pianistas de avanzada como Cecil Taylor y Paul Bley, este disco fue producido por el pianista inglés Michael Caine y participaron Sergio Gómez en el contrabajo y Juan Camilo Anzola en la batería. Como se trató de una sesión abierta, sin mucha premeditación, un ritmo juguetón los tomó por sorpresa. Aunque lo quisieron evitar a toda costa, una cumbia sombría se les coló en la mitad de “Danza”.

7. Tradición (Julián Gómez)
CAPICÚA
Rodolfo Martínez (piano), Juan Pablo Gonzáles (guitarra eléctrica), Julián Gómez (contrabajo y flauta caucana), Enrique Flower (saxo tenor) y Oscar Julián Osorio (batería)

Con gran pesar vimos como este año (2008) los miembros de Capicúa se atomizaron por el mundo dejando un gran vacío en la escena del jazz nacional. Mientras esperamos que la vida los vuelva a reunir, como algún día lo hizo en las aulas de la Universidad Nacional de Colombia, seguiremos disfrutando “Esencia”, un registro que fue la secuela de varios años de aprendizaje al lado del maestro Antonio Arnedo. Aunque la influencia del saxofonista fue evidente en la consolidación de su sonido, los miembros de Capicúa emprendieron una búsqueda estilística muy personal que los llevó desde la Amazonía y las sabanas cordobesas hasta las frías montañas caucanas donde aun resuenan las viejas chirimías que inspiraron a Julián Gómez para escribir este tema, un nostálgico homenaje a una tierra azotada por la violencia.

8. Cuando Ovejas no era Sucre (Juan Pablo Uribe)
SAMURINDÓ
Sebastián Cruz (guitarra eléctrica), Trifon Dimitrov (bajo eléctrico), Juan Pablo Uribe (saxo soprano) y Daniel Correa (batería)

La llamada del propietario de un bar fue el detonante para que en el verano de 2005 tres colombianos residentes en Nueva York fueran convocados para jugársela una noche en medio de un jam session. Tal sería la química que fluyó entre los músicos que la azarosa velada resultó un éxito y un año más tarde se convirtió en “Cuando Ovejas”, grabación donde la lejanía no es un impedimento para que resuenen porros, fandangos y cumbias. Bautizada con el nombre de una población colombiana ubicada en el departamento del Chocó, la agrupación está dirigida por el baterista bogotano Daniel Correa. Junto a él, Sebastián Cruz en la guitarra le imprime un deliberado acento funk que hace juego con el desbocado acento pelayero de Juan Pablo Uribe en el saxo soprano. Aquí están otros colombianos en la Gran Manzana que se abren camino sin dejarse ganar por los falsos exotismos.

9. D.P.D. -Danza de los pollos descabezados- (Iván Altafulla-Bolaefuego)
BOLAEFUEGO
Carlos Pino (contrabajo), Camilo “Carela” Morales (trompeta), José Miguel Vega “El Profe” (trombón) y Andrés Felipe Salazar (batería)

Este cuarteto es una suerte de allstars de la música local. El trombonista es de La 33, el baterista de Curupira, el trompetista de Voodoo Souljah´s y el contrabajista de La Severa Matacera. Sólo una conjunción de esta naturaleza puede producir un sonido tan punzante y aguerrido. En esta macabra danza, escrita por Iván Altafulla, guitarrista de Curupira y uno de los miembros fundadores de la banda, confluyen texturas sonoras tomadas de las bandas pelayeras, el klezmer y las fanfarrias balcánicas. También, en un guiño que revela invisibles correspondencias entre las músicas tradicionales colombianas y el jazz de vanguardia, se cuela la estridencia de Masada, Don Cherry y Ornette Coleman. Hasta el momento no han editado disco, sin embargo se les puede encontrar tocando tres noches a la semana en un pequeño local del centro de Bogotá.

10. Fiesta Guapireña (Francisco “Pacho” Dávila)
PACHO DÁVILA
Francisco “Pacho” Dávila (saxo tenor), Julián Gómez (contrabajo), Ernesto “Teto” Ocampo (bajo eléctrico) y Pedro Acosta (batería)

Francisco “Pacho” Dávila nació en Cali en 1977. Desde muy joven se trasladó a Bogotá donde pronto se convirtió en una de las figuras más controvertidas de la escena. Entre 2001 y 2006 ha editado tres discos fundamentales para entender el lento proceso del jazz colombiano. En “Canto mestizo”, su segunda grabación, el saxofonista logró encontrar el puente que unía a John Coltrane y Wayne Shorter con José Antonio Torres “Gualajo”, el célebre e influyente intérprete de marimba de chonta. Misteriosamente en “Fiesta guapireña” Dávila no apeló al instrumento de Gualajo; optó por sugerirlo a través del diálogo que durante más de once minutos sostienen el bajo eléctrico y el contrabajo. Aunque generalmente su sonido es estridente, aquí el saxofonista se escucha contenido sin que esto le reste emoción al extenso tema. Suena como si estuviera sentado en la ribera del río Guapi.

11. Pájaro (Marco Fajardo y Juan David Castaño)
EL VIAJE
Marco Fajardo (clarinete)

Un buen día la Fundación Terapéutica Despierta, encargó al percusionista Juan David Castaño la elaboración de un paisaje sonoro que invitara a la “meditación”. El resultado fue, por fortuna, no una insípida grabación de nueva era sino una sesión de libre improvisación donde adoptó varios formatos inéditos (marimba de chonta y clarinete, electrónica y gaitas, piano y caja vallenata, y clarinete solo) para deconstruir células rítmicas provenientes de las dos costas colombianas. Uno de los invitados a “El Viaje” fue Marco Fajardo. Miembro activo de Cielomama, Asdrubal, Primero Mi Tía, Tangaré y Tumbacatre, el clarinetista (pájaro de largo y lírico aliento) se “despachó” unas sosegadas líneas de chirimía que soñó una madrugada luego de batirse al lado de legendarios maestros en una de esas noches desenfrenadas del Festival Petronio Álvarez.

12. La Colombina (Juan Diego Valencia)
PUERTO CANDELARIA
Juan Diego “Juancho” Valencia (piano), Andrés Uribe (guitarra eléctrica), Eduardo González (contrabajo), José Tobón (saxo soprano y clarinete), Vladimir Hurtado (trombón) y Juan Fernando Montoya (batería y percusión)

Hace 8 años el pianista Juan Diego “Juancho” Valencia dio vida a uno de los capítulos más significativos del jazz colombiano. Con gran desparpajo y mordaz sentido del humor, Puerto Candelaria se ha involucrado con músicas de marcado carácter popular que durante mucho tiempo han sido relegadas al último puesto del “buen gusto”, víctimas de un infame ataque frontal de segregacionismo clasista. Es el caso de “La Colombina”, un corte que evoca la música guasca, el chucu- chucu y la rumba criolla, pero que también, en un gesto de lúcida ironía, se acerca a los pasillos y los bambucos. Ganadora en 2005 del primer premio a la Composición Original o Inédita de un festival de nuevas músicas colombianas celebrado en ese año, “La Colombina”, es el nombre de una pintoresca vaca que habita las imaginadas geografías de un lugar llamado Puerto Candelaria.

Introducción y notas publicadas originalmente en el librillo interior del disco Jazz Colombia (MTM, 2008)

Las portadas aquí reproducidas remiten al disco donde se editó originalmente cada uno de los temas de esta compilación.

Juan Camilo Anzola/ En Ningún Lugar

2009-09-22T12:52:00.000-07:00

Juan Camilo Anzola
En Ningún Lugar
Independiente
2009

En los viejos buenos tiempos, cuando las puertas del desaparecido bar Crab´s estaban abiertas, Juan Camilo Anzola se hizo célebre con la banda The Joint por los veinte impecables covers de Led Zeppelin que muchas veces dispararon en el tablado. Aún hoy, cuando suponemos que el escenario se está pudriendo, es fácil evocar la furia de Anzola despachándose “Moby Dick”. Mientras la nostalgia nos gana, disfrutemos la otra faceta de este joven baterista bogotano que inició su recorrido discográfico junto al pianista Manuel Borda por allá en el 2002 cuando editaron “Imágenes”, uno de los discos de jazz más relevantes en Colombia. Pasaron seis años en los que Anzola estudió en Barcelona y curtió un estilo que mucho le debe al sonido de Jack DeJohnette y, por supuesto, de John Bonham. “En Ningún Lugar”, su ópera prima, hay lugar para varios formatos como el trío y el cuarteto donde Anzola se deja ver sobrio, equilibrado y virtuoso; no es sino hasta los tres últimos cortes de la grabación donde lo podemos conocer en toda su dimensión. Al lado de Manuel Borda, viejo compañero de aventura, Anzola propone tres pasajes de improvisación colectiva donde el poder del rock prevalece. Es así como el corte que le da título al disco, “Ritual session” y “Sueño profundo” son la parte más intrigante de esta placa pues, sin la angustia de la partitura, viajan con la libertad como su mejor aliado.

Publicado originalmente en Rolling Stone # 58, Diciembre de 2008

Parlantes/ Lenguanegra

2009-09-22T11:55:00.000-07:00

Parlantes
Lengua Negra
Independiente
2009

¿A quién carajos se le ocurre hacer un disco así? Esta es la primera pregunta que surge cuando llega a nuestras manos Lenguanegra, una grabación que trasciende lo musical para convertirse en un objeto de colección. Hoy, cuando la música se diluye en la pantalla líquida del computador, es sorprendente que unos tipos tomen una decisión estética tan arriesgada en términos comerciales. De seguro algún personaje muy serio, versado en los vericuetos económicos del universo discográfico, les habrá dicho: “Déjense de pendejadas, se les va a quedar en las cajas”. Probablemente, es la lógica perversa de nuestros días. Lo cierto es que, a pesar de no tener inconvenientes con la piratería, los Parlantes saben muy bien para donde va la cosa, tienen la certeza de que este es un disco para ver, escuchar y leer. Se necesita, entonces, tenerlo en las manos para palparlo y guardarlo en un lugar privilegiado de la discoteca. Seamos sinceros, esto, en términos de belleza y sensación, es muy difícil lograrlo con un archivo del computador.
Nacidos en Medellín, en medio de cantinas, barullos punketos, tangos descorazonados, humos prohibidos y ráfagas inmisericordes, estos siete parlantes se reunieron hace seis años cuando el pianista John Henao invitó a Camilo Suárez (ex vocalista de Bajo Tierra) para ensayar unas canciones sueltas de Planeta Rica, la banda que por esa época comandaba. Después de algunas sesiones, llegaron David Robledo (percusión), Alfonso Posada (ex baterista de Estados Alterados), Jaime Pulgarín (guitarrista que fue reemplazado por Jaime Villa, cerebro de Gordo´s Project), Pedro Villa (bajo) y Freddy Henao (teclados).
Así, sin pensarlo demasiado, curtieron un repertorio que daría vida a Parlantes (2006), debut de corte humorístico donde prefiguraron su predilección por el sucio sonido rocanrolero tan presente en Lenguanegra, placa más oscura y algo enigmática si tenemos en cuenta que las letras y la música nos remiten a lugares donde Willy (mordaz reminiscencia de Fausto, el loro que en la infancia de Fernando Vallejo despertaba a la familia con un locuaz “¡Todos hijueputas!”) parlotea elegías perdidas de conquistadores poetas (“Barranca”), la sonrisa vacía de una bailarina de porcelana (“Bailarina”), el desengaño del estilita Simón (“Simón del desierto”), el desconsolado epitafio de Villon (“Balada de los ahorcados”) y los amores, siempre los amores rotos, que aquí nos conmueven a través de la bellísima “Cuentagotas” y la soberbia versión dub de “Senderito de amor”, un vals original de Ventura Romero, infaltable en las faenas de cantina, sobretodo, si se tiene a la mano en voz de Pedro Infante, Julio Jaramillo o Lizandro Meza.
Allí, donde casi todos vociferan palabras necias, y de los altavoces rugen músicas que disimulan la infamia de la guerra, los Parlantes se despachan “Crónica de Indios” (sardónica puesta en escena de dos mafiosos de gafa negra) y “Huesos”, un tema donde detrás del riff bailable (algo funk y tropical), se esconden los escalofriantes llantos de unos huesos que reclaman justicia desde las fosas comunes: “El que nos ocultó/ Rueda por los campos el mismo rumor/ Vas a soñar con nuestras voces/ Rompecabezas de voces/ Que ruegan, maldicen, claman/ En la memoria, somos tesoro absurdo”.
Puesto en una caja que simula una maleta de viaje, el disco está acompañado por un librillo donde nos encontramos cuatro textos sugerentes de plumas afiladas (Pascual Gaviria, Fernando Mora, Juan Carlos Orrego e Ignacio Piedrahita) y siete cuidadosas imágenes (óleos, ilustraciones, composiciones fotográficas y cómics) dentro de las que se destacan las viñetas de Álvaro Vélez (Truchafrita).
Hermanados en la distancia con el trabajo de Velandia y La Tigra y Meridian Brothers -los tres poseen el ingenio suficiente para hacernos perder la cabeza con bailes, letras y músicas dislocadas-, estos siete loros baten sus lenguas sinvergüenzas y rompen el silencio, justo en el lugar donde la palabra necesita desperezarse.

Publicado originalmente en Arcadia # 47, Agosto de 2009

Varios Artistas/Pacífico Colombiano: Music Adventures in Afro-Colombia

2009-09-22T11:02:00.000-07:00

Varios Artistas
Pacífico Colombiano: Music Adventures in Afro-Colombia
Otrabanda Records
2008

Desde el suroriente de Panamá hasta el noroccidente de Ecuador, el Pacífico colombiano es una inmensa extensión de selva donde la música fluye incontenible de la misma manera que lo hacen los más de 240 ríos que atraviesan este prodigio geográfico amenazado por los de siempre Allí, donde antes de la conquista habitaban mas de 600.000 indígenas, llegaron entre el siglo XV y la segunda mitad del XX negros provenientes del Congo, Guinea y Sudán, además de la migración de mestizos del interior andino colombiano golpeados por la Violencia. De esta manera, el Pacífico colombiano es una zona culturalmente híbrida llena de cantos y poesía donde aún persisten los ecos de las danzas cortesanas españolas, los formatos de bandas marciales europeas, los bambucos andinos y las sonoridades provenientes de Cuba, músicas que al pasar de los años fueron asimiladas por el currulao y la chirimía, dos formatos musicales donde se encuentran revueltos una diversidad de géneros y estilos como el bunde, el abozao, la juga, el makerule, el bambazú, el canto de boga, entre otros ritmos relevantes de las zonas costeras del Valle, Cauca, Nariño y el departamento del Chocó.

A pesar del olvido, y de que en los sesenta Peregoyo y su Combo Vacaná ya habían resaltado algo de esta gran tradición musical, no fue sino hasta mediados de los noventa donde todas estas músicas cobraron un valor relevante no sólo en la región y en las grandes ciudades como Cali y Bogotá sino afuera de las fronteras criollas. Gracias a grupos como Bahía, La Contundencia, Saboreo, Naidy, Socavón, el Trío Atrato y, más recientemente, gente como ChocQuibTown (CQT), La Revuelta y Liliana Montes, las sonoridades del litoral Pacífico se hacen visibles en un país obnubilado por tres o cuatro artistas de turno.
No es de extrañar entonces que no sea de Colombia de donde provenga una de las contadas compilaciones que se han hecho en torno a las músicas del Pacífico. Obsesionado por las músicas de raigambre creole (en su mayoría vivas en Curazao) y, en especial, todo aquello que provenga de África, Scott Rollins fundó en 2002 Otrabanda Records, pequeño sello holandés independiente que con “Pacífico Colombiano: Music Adventures in Afro-Colombia” llega al noveno volumen de un catálogo que incluye grabaciones de héroes curazoleños de la canción como el grupo Serenada y Oswin Chin Behilia, además de colecciones que giran en torno al highlife, el soukus, el funk, la rumba congolesa y el afrobeat. Dentro de su curiosidad Rollins no ha sido ajeno al sonido del Pacífico colombiano. En 2004 editó con lujo de detalles “El Rey del Currulao” de Peregoyo y hoy llega con esta nueva compilación donde incluye catorce cortes que, de alguna manera, nos dibujan un panorama ecléctico de lo que ha sucedido en más de diez años de producciones discográficas provenientes, en su mayoría, de Quibdó, Buenaventura, Bogotá y Cali. Desde la desenfrenada fanfarria de clarinetes presente en Markitos y la Sabrosa de Buenaventura hasta la chirimía de Francisco Peña (trompetista bonaverense exiliado en Holanda, responsable en gran medida de esta compilación) este disco no da tregua y puede pasar del sonido moderno (cargado de electrónica, hip hop y groove funkero) de CQT, La Revuelta y Liliana Montes, hasta el sonido de la marimba de chonta que emana misteriosamente de bandas como Socavón y Bahía. Salvo la aparente ausencia de José Antonio Torres “Gualajo” (que es conjurada por su aparición en el tema “Adiós Guapi” del grupo Naidy) nadie hace falta aquí, ni siquiera clásicos como “La Iguana” de Peregoyo y su Combo Vacaná. Sonido impecable, juiciosas notas de Lucas Silva y la inclusión de “El Piloto”, tema inédito de Alfonso Córdoba “El Brujo” hacen que esta colección sea infaltable en las discotecas. Desde ya esperamos que algún sello tome el riesgo y lo distribuya acá en Colombia, lugar donde olvido es el aire que respiramos.

Publicado originalmente en Arcadia # 44, Mayo de 2009

Varios Artistas/Nueva Colombia: A New Generation of Colombian Music

2009-09-22T10:47:00.000-07:00

Nueva Colombia: A New Generation of Colombian Music
Varios Artistas
Chonta Records
2005

Concientes de la necesidad de darle trascendencia a un fenómeno musical hilado desde mediados de los noventa por visionarios como Juan Sebastián Monsalve, Hugo Candelario, Antonio Arnedo, Iván Benavides y Ernesto “Teto” Ocampo, entre otros, los músicos pertenecientes a la escuadra de la “Nueva Música Colombiana” se olvidaron de las grandes disqueras y optaron por hacer sus discos, hecho crucial si se tiene en cuenta de que han desvirtuado, con argumentos musicales y estéticos, la idea de que si no hay un respaldo comercial y publicitario masivo, el producto no vale nada.

Aunque geográficamente pueda parecer incoherente, el sello independiente Chonta Records es una de las coaliciones musicales abanderadas del movimiento. Liderado por el pianista Pablo Mayor y Robert Kelley Ayala, Chonta ha lanzado ya ocho grabaciones, la última de ellas una compilación de sus artistas más una juiciosa selección de algunas de las agrupaciones locales más relevantes en los últimos tres años dentro del contexto de la “Nueva Música Colombiana”.
Titulada “Nueva Colombia: a new generation of colombian music”, esta colección nos comunica una idea bastante nítida del fenómeno pues las propuestas que allí se encuentran gravitan dentro de una ecléctica mixtura de géneros donde el rock, el jazz, el funk y el hip hop tienen la capacidad de fundirse a ritmo de bullerengue, fandango, porro, champeta, bambuco, cumbia y currulao.
El viaje sónico inicia con la desgarradora voz de Etelvina Maldonado quien interpreta “Por qué me pega”, uno de los bullerengues más hermosos que se incluyeron en el álbum debut del proyecto Ale Kumá dirigido por el destacado contrabajista Leonardo Gómez. Le sigue Folklore Urbano, el ensamble liderado por Pablo Mayor, con la muy bailable “Dobladillo a la lengua” y más adelante encontramos “Ningún detalle”, champeta que Curupira asimila bajo una fuerte influencia de la esquizofrenia bogotana. La cuota bumanguesa esta representada por Cabuya quienes nos ofrecen “El billetico”, un tema donde se hace evidente el afán por comunicar, bajo un finísimo sentido del humor popular, la situación de los niños de la calle. Similares en cuanto a los contenidos líricos nos topamos en primera instancia con “El hueco”, tema extraído de Raza, la más reciente grabación de Mojarra Eléctrica, sin lugar a dudas uno de los paradigmas musicales de esta generación al igual que Chocquibtown, trío de hip hop que con “Somos Pacífico”, además de relatar su idiosincrasia costera, le ha dado un vuelco radical a la manera de hacer rap en Colombia. Mucho más introvertidos resultan “Canción mandala” de Coba (proyecto personal del genial guitarrista Sebastián Cruz en el que aparece la desconocida voz de Yarimir Cabán) y “Pececito de agua” de Marta Gómez, dos puestas en escena de voces femeninas que no intentan cantar a la manera de las legendarias cantaoras sino que hallan su timbre en las calles de la ciudad. La porción más tradicional del compilado, aparte de Etelvina Maldonado, es “Encarnación” (homenaje al desaparecido maestro de la percusión), una auténtica gaita consumada por La Cumbiamba Eneye. El periplo continúa en Medellín de donde procede Puerto Candelaria quienes nos ofrecen “Porro lateral”, ingeniosa muestra de lo que sucede cuando el “chucuchucu” se encuentra con el jazz. Inmersos también dentro de este género podemos apreciar “Fanny”, endiablado fandango en clave funky de Samurindó; la nostalgia andina de “Bambuco de la orilla”, tema original del pianista Ricardo Gallo y “Festina lente”, un enigmático porro interpretado por Asdrúbal, sexteto que junto a Gallo transitan un terreno bien arriesgado pues se sumergen en las difíciles atmósferas del free.
Como sucede con casi todos los compilados, de seguro no se harán esperar los detractores. Quizás muchos dirán que el criterio de selección descabezó algunos personajes imprescindibles. Es cierto, se siente la ausencia de Guafa Trío, Capicúa, Bahía, Pacho Dávila, Primero Mi Tía, Manuel Borda, Tumbacatre, Palos y Cuerdas y un largo etcétera. Sin embargo, alegrémonos y celebremos. El hecho de que el espacio de un disco no sea suficiente para albergar todo lo que está sucediendo es el síntoma de que el asunto no es ninguna intuición. Va para largo y con buena música por delante.

Publicado originalmente en Arcadia #18, Marzo de 2007

Edson Velandia & Jardín Infantil La Ronda/ Sócrates

2009-06-09T09:56:00.000-07:00

Edson Velandia & Jardín Infantil La Ronda
Sócrates
Independiente
2007

Edson Velandia, el hijo insurrecto de Piedecuesta, Santander, es quizás uno de los personajes más inquietantes de una generación de músicos cocinados a fuego puro en las agrestes montañas del Cañón del Chicamocha. Junto a la exuberante genialidad de Cabuya, Velandia se despachó líneas de marcado acento montañero como éstas que hoy, después de un poco más de cuatro años, se recuerdan con profunda nostalgia: “Canto de mujer en amoríos/ es su voz aderezada. /Loma puro despejada/ es su risa envilecia y su pecho envenenao. /Y envenena está mi gana de quedármele en el rancho y salir amanecio”. Retirado oficialmente de Cabuya, Edson editó en 2007 “Once rasqas”, un registro inclasificable que dejó perplejo al público por su excentricidad sonora y sus enrevesadas líricas que nos recordaron inevitablemente a León de Greiff: “Se me quiebra la zanca, /Tapáseme la tráquea. /Se me amaña la nigua, /La chingua se me rancia. /Se me espina, /Se me raja la lengua. /Se me adiabla el elkin, /El perro se me manda.”. Aunque reconoce que algo del hiperbólico antioqueño se deja ver en su trabajo lírico, Velandia asegura que letras y músicas tienen un origen coloquial pero no por eso menos elevado. Su padre, el humorista Germán Velandia, es un célebre juglar surrealista que le enseñó todos los secretos de la jerga popular y de la carranga, género de donde deviene su particular estilo sonoro. Curtido en los malabares de la palabra, no es arriesgado afirmar que el santandereano pertenece al privilegiado bando de los bardos y eso lo confirma “Sócrates”, su más reciente placa donde se muestra, al mismo tiempo, temerario, inocente y desbordado. La razón es bien sencilla. Reunió un buen puñado de niños bumangueses del Jardín Infantil la Ronda y los puso a cantar (en lo que imaginamos fue una delirante fiesta) diez canciones no aptas para espíritus racionales y aburridos.
En un género difícil como lo es la música infantil, el músico santandereano es ágil y no se viene con ligerezas ni mucho menos con esas empalagosas treguas con las que habitualmente se timan a los niños. Aquí hay un reto de forma y contenido prefigurado desde “La historia de la R”, fábula amorosa donde nos enteramos (grandes y chicos) que la R vino al hombre cuando éste se la pidió prestada a un ratón para así poder enamorar a su hembra De allí en adelante los juegos de palabras no dan concesiones. “Sócrates”, el corte que nombra la grabación, es un trabalenguas donde los niños retan a los más grandes a repetir una serie de disparatados cuartetos construidos a base de esdrújulas: “Sónorico, fantástico, /Échele rábano orgánico, /Préndale máquina elástica, /sírvalo en cántaro mágico y… repítalo”. Prosigue el alucinado viaje con “Fábula” y “Ni más ni menos”, un par de lúdicos equívocos que incentivan el arte de la palabrería: “Si ensancho jeta y cabeza enrosco/ Digo yo rico y suéname rancio/ Digo yo sol y suéname sal”. Inmersas en este onírico paraíso se encuentran “La montaña”, “El Colibrí” y “Moisés”, tres hermosas canciones de cuna que tras su profunda sencillez esconden los secretos más íntimos de ese lugar ya perdido: “La leña que llama al fuego, /Canción que espanta la tempestad. /Las aves que anuncian la noche, /Viento que viene frío, /La piedra donde se sienta Dios, /La calma del caracol”. Apelando a ritmos que van desde la guabina y la champeta, Velandia también involucra el rock con movidas piezas como “Pilas” (descabellado himno optimista) y “Las Tablas”, el momento estelar de esta grabación pues, resuelto a no tomarse muy en serio la educación convencional de rejo y memoria, Edson se inventa una vertiginosa carrilera-punk necesaria para que los niños armen la algarabía y declamen su descabellada aritmética: “La fila de las hormigas,/ Termina donde comienza (…) 7x8 gordo/ 4x2 perfecto/ 5x10 moderno/ 1x1 correcto/ 9x3 cojo/ 4x1000 huraño/ 7x2 redondo/ 100x100 extraño”. Si usted tiene hijos entre los seis y los diez años y desea que no coman entero desde el principio, “Sócrates” será el extraño brebaje que los pondrá a sospechar de todo eso que a diario ven en la televisión, escuchan en la radio y aprenden en el colegio. Incluso los invitará a desafiar socarronamente a la mismísima calavera, espanto milenario conjurado en los versos de una canción: “Cuando venga por estos lares, / Yo le voy a arrancar las muelas. / Pa´que sepa con quien se mete/ La calavera, la calavera”.

Publicado originalmente en Arcadia # 30, Marzo de 2008

John Zorn/ Six Litanies for Heliogabalus

2009-04-07T14:13:00.000-07:00

John Zorn
Six Litanies for Heliogabalus
Tzadik
2008

¿Quién es realmente John Zorn? Para algunos es el gran genio de nuestros tiempos. Para otros, por el contrario, más que un artista es un irresponsable y soberbio reciclador que ha sabido aprovechar los nuevos mercados de la independencia para elaborar un discurso musical desbordado. En ese caso, ¿los segundos no le están dando la razón a los primeros? Desde su apellido, ira en alemán, John Zorn es un músico polémico elevado al estatus de mito marginal de una generación que hace rato rompió con la pureza de los géneros. Este es quizás uno de los aportes más relevantes de su carrera pues Zorn no ha renegado de ningún estilo. Desde el free, el pop, la música académica, las bandas sonoras, entre muchas otras piezas del rompecabezas infinito que pueblan su cabeza, el saxofonista ha sabido sintetizar un mundo que aturde con sus sonidos. Es el caso de una de sus más recientes obras, inmersa en una producción tan prolífica que ya sobrepasa a Zappa, uno de sus maestros de cabecera. “Six Litanies for Heliogabalus” es un infernal disco inspirado en los excesos carnales de Heliogábalo, célebre emperador romano que en sus retorcidos festines tenía como práctica (a medio camino entre la brutalidad y la poesía) ahogar a sus comensales en un mar de pétalos de rosa. La placa, que hace gala del mentado sibarita, es la tercera parte de una tetralogía iniciada en 2006 con la pieza “Moonchild” a la que le siguió “Astronome” (2006) y recientemente, cerrando el ciclo (¿?), “The Crucible” (2008). Inspiradas en textos de magia negra, misticismo, demonología y chamanismo provenientes de Aleister Crowley y Antonin Artaud, además de la música de Edgar Varése, estas cuatro piezas son, también, el resultado de los años en los que Zorn (junto Painkiller y Naked City) se involucró radicalmente con las sonoridades del metal. En “Six Litanies for Heliogabalus” encontramos seis perturbadoras plegarias musicales que cargan consigo un siniestro sentido del humor representado en la alucinante y trastornada voz de Mike Patton quien junto a Trevor Dunn (bajo), Joey Baron (batería), Ikue Mori (electrónica), Jaime Saft (teclado), Martha Cluver, Abby Fischer, Kirsten Sollek (voces) y John Zorn (saxo alto) logran una pesadilla que dura alrededor de 40 minutos. Metal progresivo, tonadas medievales, grind core y jazz se dan cita en una experiencia sonora desquiciada. Atención, su vida puede cambiar después de escuchar a Patton llorando, vomitando, escupiendo y riéndose como un pequeño demonio. Un disco apto para oyentes extremos que gustan cruzar la barrera de lo desconocido.

Lucas Saboya/ Intemperante

2009-03-29T08:52:00.000-07:00

Lucas Saboya
Intemperante
Palos & Cuerdas Producciones
2008

Alguien que lleve por apellido el nombre del municipio donde le regalaron “la cucharita” a Jorge Velosa (el célebre carranguero colombiano) debe tener una buena estrella musical. Nacido en Tunja, Boyacá, Lucas Saboya es un tipo sosegado que habla de su tiple con un cariño casi paternal. Y no es para menos, su “palo” es como una extensión de sus manos que, palabras más, palabras menos, hacen magia. Hace 18 años se inició en la tradición académica de la muy conservadora música andina pero muy pronto supo que las músicas no evolucionan si no se ponen en contacto con el mundo. “Intemperante”, su primera grabación como solista, llega después de una larga carrera junto al trío Palos y Cuerdas con quienes ganó los más relevantes festivales del género, entre ellos el prestigioso Mono Núñez. Con suma ironía, Lucas Saboya titula esta placa para decirnos que el tiple (instrumento paradigmático de las montañas colombianas) desde hace muchas décadas viajo a la ciudad y se convirtió en un instrumento que se mimetiza en el humo de los buses, los interminables atascos vehiculares y las gentes que, afanosas, vienen y van. Esto no significa que “Intemperante” suene esquizofrénico, más bien se aleja del sonido bucólico y se deja llevar por un sugerente color cosmopolita. Junto a invitados de lujo como Germán Darío Pérez (piano), Edwin Colón (cuatro puertorriqueño), Daniel Saboya (guitarra) y Ana María Ulloa (voz), entre otros, Lucas Saboya presenta bellas versiones de clásicos como “Para evitar que se evapore el sueño”, “Todo tuyo” y Guatavita”. Además, se aventura con “Surrungueos y bambucos” y “Suite 40” (para tres tiples y orquesta), dos piezas monumentales donde cualquier duda acerca de su virtuosismo queda despejada.

Tibaguí/Retrato

2009-03-26T17:51:00.000-07:00

Tibaguí
Retrato
Independiente
2008

En Nueva York, la ciudad donde resuenan todas las músicas del planeta y donde, por extensión, se vive una extenuante competencia entre artistas, un combo de colombianos con ideas poco convencionales han sobrevivido a la arremetida de la gran bestia y a lo largo de diez años se han ganado espacios bien importantes. Junto a músicos como Lucía Pulido, Edmar Castañeda, Martín Vejarano, Ricardo Gallo, Pablo Mayor y Sebastián Cruz, el guitarrista y bandolista bogotano Alejandro Flórez hace parte de estos auto-exiliados que se la juegan por no caer en los lugares comunes del mercado comercial. Así es como, sin acudir a los exotismos mentirosos, sin disfrazarse con impostados atuendos tradicionales y, lo mejor, sin acudir a la aburridísima frase “Colombia es pasión”, Flórez es quizás uno de los músicos colombianos en la diáspora que mejor ha sabido integrar el lenguaje y los formatos del jazz con un trío típico de música andina colombiana. ¿Qué lo hace diferente? Hay varias razones. Por un lado, gracias al distanciamiento, se puede dar el lujo de interpretar con otros códigos las estrictas reglas que rigen a los bambucos, los pasillos y las guabinas. Por otro, se ha rodeado de músicos procedentes de Argentina (Franco Pinna, Pedro Giraudo) y otro de Brooklyn (Sam Sadigursky) con quienes ha podido darle un color bien universal a estas músicas que ha menudo se han considerado patrimonio exclusivamente colombiano. Lo que fuera un trío al lado de Sebastián Cruz (tiple) y Nilko Andreas Guarín (guitarra) hoy es un sexteto que estrena Retrato, grabación impecable de cabo a rabo que nos remite claramente a ese concepto conocido como “Nuevas Músicas Colombianas”.
Ojo al solo de Franco Pinna en "Cansao" y la conmovedora voz de Lucía Pulido en "Mis Secretos", composición de Flórez quien resuleve con decidida nostalgia un poema de Cruz.

Publicado originalmente en Rolling Stone #56, Octubre de 2008

Nicolás Ospina/Entre Espacios

2009-03-26T17:16:00.000-07:00

Nicolás Ospina
Trío Entre Espacios
PAI
2008

Este es un buen ejemplo de reacción para los que siguen creyendo que la integración latinoamericana se logrará a través del discurso guerrerista. Nicolás Ospina (piano) de Colombia, Julián Montauti (contrabajo) de Argentina y Alejandro López (batería) de Venezuela se conocieron en 2006 en Buenos Aires y pronto iniciaron actividades en la escena de jazz porteña. Para los que pensaron que el debut discográfico de Ospina sería una colección de standars, Entre espacios los puede decepcionar. Aquí nos topamos a un pianista joven con mucho lenguaje que hace rato se alejó de los formalismos del real book. Los nueve cortes de esta placa (todos ellos originales del bogotano) tienen la capacidad de comunicar estados de ánimo que van desde la monotonía de estar parado durante horas en la fila de un banco (“Hay café café”); la nostalgia de un músico colombiano en tierras ajenas (“Aural); la soledad (“Niebla”) o la lucha contra el sueño cuando suena el despertador (“Ya es hora”). En las negras y las blancas Nicolás Ospina es diestro, unas veces meditativo, otras veloz y siempre nos da una sorpresa al final ; esto último no es de extrañar si se tiene en cuenta que otro de sus oficios preferidos es la magia. Aunque no fue grabado ni prensado en Colombia y su autor desde hace ya varios años vive en Buenos Aires, este es uno de los lanzamientos más relevantes de la actualidad jazzística colombiana.

Publicado originalmente en Rolling Stone #56, Octubre de 2008

Jorge Sepúlveda Sexteto/Caída Libre

2009-03-26T16:46:00.000-07:00

Jorge Sepúlveda Sexteto
Caída Libre
La Distritofónica/013
2008

Aunque sigue pareciendo poco habitual que sea un baterista quien dirija un ensamble, ya la historia del jazz nos dice que solemos estar equivocados. Desde los difuntos Gene Kruppa, Max Roach y Elvin Jones hasta Ben Perowsky pasando por Bobby Previte, Billy Martin, Andrew Drury y Paul Motian, los bateristas han dejado el mal llamado papel del acompañante para sentarse en el lugar del compositor, el conductor y el arreglista. En el caso colombiano el asunto no va más allá de un par de nombres. Contando las dos grabaciones de Víctor Bastidas , la más reciente de Juan Camilo Anzola, algunos registros perdidos del legendario Plinio Córdoba y otras grabaciones sin publicar de Germán Sandoval, Jorge Sepúlveda es uno de los pocos bateristas en la escena del jazz nacional que se atreve a echarse al hombro un combo, en este caso un tremendo sextet integrado por Adriana Vázquez (voz), Boris Ríos (saxo tenor), Marco Fajardo (saxo alto, clarinete), José David Giraldo (guitarra) y Juan Manuel Toro (contrabajo). Activo en el circuito local desde hace más de diez años, Sepúlveda a cultivado un estilo que se aleja del swing clásico para adentrarse en los terrenos de la libre improvisación, el free, el rock y los lenguajes de las músicas tradicionales provenientes de la dos costas colombianas, sonidos que el baterista logra hacer dialogar con tendencias de avanzada gestando un estilo abierto que deliberadamente reacciona ante los convencionalismos. Resultado de un largo trasegar al lado de agrupaciones notables como Asdrúbal, Primero Mi Tía, Curupira, el trío de Manuel Borda y los cuartetos de Ricardo Gallo y Antonio Arnedo, Jorge Sepúlveda lanza “Caída Libre” su ópera prima en la que se deja ver como un compositor sutil que no se complica la vida. Al contrario, se expresa a través de una serie de inocentes “canciones” en las que hay campo para delirantes riffs roqueros, agresivos ataques de los vientos y líricas oníricas interpretadas cándidamente por Vázquez y Sol Okarina Suárez, una de las muchas personalidades invitadas a la grabación al lado de Juan David Castaño, Germán Sandoval, Carlos Tabares, Pedro Ojeda, Antonio Arnedo, Pacho Dávila y Ricardo Gallo. Los trece temas que componen este debut son una colcha bien tejida por un baterista que hace de su estilo un atractivo juego de niños, condición suficiente para que la música fluya sin demasiadas pretensiones académicas ni estéticas. Como yo la ha hecho al lado de sus otros grupos, Sepúlveda es temerario y se lanza en caída libre, con todo lo que esto significa, en una escena tímida que apenas comienza a reconocer sus artistas.

Cuadernos de Festival I / Puerto Escondido- San Pelayo (23 de junio- 5 de julio de 2005)

2008-01-22T16:01:00.000-08:00

Son las tres de la tarde del cinco de julio. Tomo un bus que de Montería me traerá de regreso a Bogotá y antes de cerrar los ojos y disponer mi cuerpo al merecido descanso, intento abarcar por última vez la inmensidad de la gran Sabana de Córdoba. En un segundo, que más parece una eternidad, las músicas vividas durante más de quince días aparecen reconfortantes en mi cabeza. Aflora Puerto Escondido, sus costas tranquilas y sus noches delirantes de tambores, palmas y cantadoras. Viene a mi, en la nostalgia de la despedida, San Pelayo y el estruendo rítmico de redoblantes, bombos, clarinetes y bombardinos que se apaciguan en la lentitud misteriosa del río Sinú. Nítidos y ya hechos recuerdo, allí están, tras la ventana del bus que raudo se aleja, dos de los espectáculos sonoros más importantes de la tradición musical colombiana

Una azarosa invitación
El destino inicial de esta aventura era viajar al municipio de San Pelayo, Córdoba a la versión 29 del Festival Nacional del Porro en un curioso afán por descifrar parte del fenómeno musical existente desde hace algunos años en Bogotá donde artistas, músicos, académicos y uno que otro transeúnte distraído han volcado sus perspectivas en una búsqueda musical y vital en torno a nuestras músicas tradicionales y su afortunado encuentro con los sonidos propios de la ciudad. Decidí, entonces, dejar a un lado el miedo que tristemente nos embarga cuando queremos viajar por Colombia y, a pesar de las advertencias, San Pelayo se convirtió en una suerte de pacto esperanzador con esta geografía extraordinaria que, aquejada por absurdas violencias, había quedado sumida en una especie de sueño inabordable. Pues bien, y como algunos de los viajes iniciáticos de nuestra vida, este también contó con la fortuna del azar y los encuentros incomprensibles.

Sin tener idea del episodio que estaba a punto de fraguarse, un amigo y yo visitamos la casa del percusionista bogotano Urián Sarmiento en búsqueda de material visual sobre nuestra música con la intención de enviarlo a Francia a algunas personas interesadas en contactar agrupaciones folclóricas y llevarlas a participar en festivales de World Music.

Custodiados por un premonitorio sol bogotano, pasamos una tarde entera observando con emoción las travesías musicales que muy cordialmente Urián estaba dispuesto a cedernos con la única condición de que no fueran utilizadas con falsos motivos comerciales. Fue allí, alentados por maravillosos cuentos e historias acerca de los personajes que en los videos aparecían cuando el percusionista dejó ver las imágenes del renombrado Festival Nacional del Bullerengue.

Con la justa inocencia del iniciado pregunté hasta el cansancio sobre la posibilidad de poder “hacer” los dos festivales. “Todo depende de cuanto aguante su cuerpo”, dijo Urián dibujando una sonrisa cómplice que no me asustaba ni me prevenía, tan sólo me invitaba a tomar partido de una experiencia donde sabía que la vida se convertiría en música y la fiesta irrumpiría desmesuradamente cada resquicio de mi entumecido ánimo citadino.

Sumado a esto, una semana antes de iniciarse el acontecimiento, Charly, el barman, del lugar donde pongo música los fines de semana expuso, para sorpresa mía, el argumento final que me persuadiría a enfrentarme a un periplo que, presupuestado para un fin de semana, debería extenderse diez días más.

En su oficio de antropólogo, el curioso barman viajaría con una comitiva de cuarenta bogotanos que participarían en el festival en calidad de documentalistas, todos ellos animados por un espíritu temerario que para mi ya era una doctrina: atravesar la cordillera occidental colombiana hasta llegar al sur del departamento de Córdoba buscando un carnaval donde se reunirían cantadoras, cantadores, bailadores, bailadoras y tamboreros provenientes de Necoclí, San Juan de Urabá, María la Baja, Turbo, Chigorodó, Arboletes, y Apartadó, entre otras locaciones donde el bullerengue es un rico sistema simbólico que comunica distintas prácticas de la vida sagrada y cotidiana.

La autopista al occidente
El bus que de Bogotá partió a Puerto Escondido el martes 21 de junio me recordó los fabulosos viajes sicodélicos que de costa a costa realizaron en los sesenta los integrantes de Greatful Dead. No es difícil imaginarse qué puede suceder en un recorrido de más de veinte horas donde el jolgorio, la libertad, los humos y los licores estimulantes se conjugan en una singular fiesta rodante necesaria para eludir momentáneamente la zozobra que suscita el adentrarse en zonas donde un fuego cruzado podría sorprendernos dramáticamente sin tener en cuenta las razones de tan singular vagabundaje.

Para fortuna nuestra, las balas estuvieron en silencio durante el recorrido que se vio interrumpido al mediodía del miércoles 22 cuando un monumental trancón de cinco kilómetros nos atrapó a la altura de Valdivia, última estación montañosa de la soberbia topografía antioqueña que da paso al río Cauca y a la llamada Troncal de la Costa que comunica a Medellín con el Caribe colombiano.

El atascamiento, producto de un gigantesco derrumbe, se prolongó toda la tarde y nos entristeció la noticia de que deberíamos pasar la noche allí impidiendo nuestra llegada al amanecer para presenciar la Alborada, enardecido inicio del festival donde las agrupaciones participantes recorren de cabo a rabo el pueblo invitando al baile desenfadado que se dilatará durante tres días.

La lluvia inclemente, el intenso frío de la montaña y el denso sopor de un bus estacionado, hicieron que a la mañana siguiente, y en un impulso mañanero inspirado por la resaca de la fiesta que se armó en las tiendas de la vía, optara por cruzar a pie el derrumbe y buscar un transporte que me condujera al nombrado y, esa altura de los acontecimientos, inalcanzable destino.

Luego de más de dos días de viaje, finalmente arribo a Puerto Escondido a las cuatro de la tarde del 23 de junio. Ante mí, el mar se extiende como un manto de serenidad contradictoria pues justo delante suyo un pueblo se extravía al compás de porros, chalupas y fandangos.

Coordenadas Porteñas
El municipio de Puerto Escondido, se encuentra ubicado al sur del departamento de Córdoba a unos noventa kilómetros de la capital Montería. Para llegar allí, un destartalado camión aparcado en los extramuros de la Avenida Primera (una de las principales calles de Montería) bordea la orilla del río Sinú para luego internarse en las prósperas tierras ganaderas donde el cielo es un crisol de colores que se refleja nítidamente en los estáticos caños de aguas oscuras que proliferan en la región.

Detrás del verde tornasolado de las diminutas colinas de la sabana, los porteños habitan una vasta extensión de tierra que cada año y con motivo de las fiestas del calendario santoral popular, celebra entre el 24 y el 29 de junio el Festival Nacional del Bullerengue que este año llegó a su versión número 18.

Perteneciente a una de las tres zonas geográficas que en algún momento fueron refugio de cimarrones o palenques, Puerto Escondido –junto a otras poblaciones situadas en la región del Canal del Dique, la zona costera del departamento de Bolívar y la región antioqueña de Urabá- ostenta una ecléctica herencia musical gestada cuando el colonialismo español propició una rica mixtura musical entre las etnias indígenas y negras.

Bogotanos en Puerto Escondido
Ya en el bus me había enterado de que parte de la comitiva bogotana no sólo se dedicaría a la indagación académica de uno de nuestros patrimonios invisibles más significativos, al mismo tiempo algunos de ellos, sino la mayoría, participarían como músicos en la tarima haciendo parte de las agrupaciones “La bogotana” y la “La rueda”. Debo confesar que en principio me molestó dicha intervención pues cuando se va a un festival de música tradicional lo que menos se espera es encontrar en una misma tarima a veteranos maestros batirse al lado de jóvenes que sólo con su forma de vestir y hablar ya estaban fuera de lugar. “Tamaña intromisión”, pensé, después de un prematuro juicio que a la postre fue rebatido luego de las misteriosas situaciones en que nos vimos envueltos tanto ellos, los músicos y documentalistas, como yo, el observador en la trastienda.

La noche en que el cielo se cayó
La calle principal de Puerto Escondido se extiende desde la “Bolivita”, replica en miniatura de una estatua ecuestre del libertador forjada originalmente por el escultor italiano Pietro Tenerani, hasta la tarima Eulalia Medrano, lugar este último donde se realiza el festival. Día y noche las agrupaciones merodean el pequeño poblado buscando alguna tienda o algún patio donde improvisar décimas o poesías que hablan de genealogías de pueblos olvidados, la cotidianeidad del campo y legendarias contiendas entre cantadoras.

Cadencioso, alegre y en ocasiones triste, el bullerengue trae consigo un profundo componente femenino que se integra armoniosamente con la sutilidad y la sencillez de su instrumentación. Tambor alegre o hembra, tambor llamador o macho, tablillas y el guache (cilindro de latón relleno de semillas que en ocasiones se reemplaza por una totuma repleta de loza quebrada) integran este complejo rítmico que se lo inventaron ellas para poder divertirse cuando, en estado de embarazo o concubinato, no podían asistir a los bailes populares realizados durantes las celebraciones religiosas. Unido íntimamente al canto y la interpretación musical, el baile participa activamente de este ritmo pues las bailadoras animan a las cantadoras y a los tamboreros en interminables horas de baile donde uno y otro se cortejan socarronamente.

Fue allí, en uno de esos delirantes bailes, conocidos como “ruedas”, donde me topé con un personaje de mirada penetrante, escuálida figura e inmensa sabiduría en las artes campesinas.
Eludiendo el paradigma femenino que circunda al bullerengue, Freddy Suárez, natal de la población de Arb oletes, es uno de los cantadores y bailadores más respetados de la región. No entiende muy bien por qué le dicen maestro pues, como la mayoría de tamboreros y cantadoras, la música no es una profesión, ni siquiera un objeto de estudio, es simplemente un estado del alma que ha permanecido arraigado por años fluyendo a borbotones en sus sangres africanas.

Contrario a lo que se podría pensar, Freddy se muestra espontáneo ante el caudal de preguntas que los inquietos bogotanos le hacen. En un gesto desenfadado , él accede a tomar parte del frenesí capitalino y junto a su hermano Ever, un recio tamborero, participan de una noche de fiesta donde según dijeron algunos el diablo se soltó.

“Bailo por que para mí eso es el bullerengue”, dice Freddy con la sencilla lucidez que produce el ron y el tambor. Tal parece que una fuerza telúrica, ajena a él, lo llevara a niveles de enajenación rítmica que producen un estado de embriaguez en el público que lo mira hipnotizado. Su baile sensual y sugerente despierta cada una de las pasiones dormidas bajo nuestra piel bogotana.

Llega la noche y nos dirigimos a la casa donde se hospeda el grueso del séquito bogotano. Me han dicho que el festival se lleva a cabo durante el “Veranillo de San Juan”, inquietante capricho de la naturaleza, que sin saltarse nunca a la regla deja caer un poderoso aguacero al final del festejo. A pesar de la inalterable constante atmosférica, esa noche el cielo se oscureció y cayó encima nuestro avivando aun más los cuerpos que lentamente se perdían a sí mismos excluyendo toda noción de identidad y reserva citadinas. Bajo la sombra tutelar del venerable cantador, los rayos iluminaron intermitentemente un delirio que se transformó en devoción y lo pude ver, inmerso en un trance inexplicable, invocando secretas fuerzas musicales que se evaporaron mágicamente al amanecer cuando un inmenso arco iris, dibujado al horizonte del mar Caribe, visitó nuestros ojos aplacando la desmesura.

El saldo de la borrasca: varias casas destechadas y una piara de marranos electrocutada. Para nosotros, la oportunidad de haber podido asistir a un lugar donde los límites de la razón se desvanecen y las diferencias raciales se disipan en generosas lecciones de humildad como las demostradas no sólo por Freddy Suárez sino por cada uno de los músicos reunidos que aceptaron compartir su bullerengue y entregárnoslo con la certeza de que jamás, aún cuando estuviéramos sumidos en los más fríos vientos bogotanos, se nos olvidara que el bullerengue se canta y se baila “...pa´que la gente esté contenta”.

Preludio en la playa
Culminado el bullerengue tengo tres días que me separan del que fuera el objetivo primero de mi viaje, el Festival Nacional del Porro. Me aparto un tanto melancólico de la caravana bogotana a la que despido embadurnado de barro luego de haberme zambullido en los balsámicos lodos de un pequeñísimo volcán enclavado en la parte alta del llamado Puerto Escondido Viejo.

En compañía de un par de amigos caminamos unos 25 minutos al sur de Puerto Escondido para llegar a la playa de Hoyitos, paisaje paradisíaco donde nos recibe la sonrisa inalterable de Pupi, un negro de tersas carnes que nos ofrece café, plátanos y unos palos donde guindar nuestras hamacas.

La noche llega en tonos morados y el mar, una vez más, arrulla sosegado lo que será el preludio de otros cuatro días colmados de músicas desenfrenadas e individuos pintorescos y de amables maneras que reciben cada año el éxodo de más de 20.000 visitantes reunidos alrededor de las bandas tradicionales de la región ribereña de los ríos San Jorge y Sinú para rendir tributo al porro, otra de las riquezas artísticas y culturales de la región.

Coordenadas pelayeras
San Pelayo, la “capital folclórica” de Córdoba, se encuentra al norte de Montería por la carretera que conduce a las exuberantes playas de Tolú y Coveñas. Con un entramado urbano donde el palimpsesto arquitectónico se hace evidente dejando ver un pasado español y uno indígena, las construcciones republicanas y las delicadas chozas de bahareque abren sus puertas durante un fin de semana para ver marchar, bajo el inclemente sol (que llega a temperaturas por encima de los treinta grados) una veintena de bandas que se abren paso a ritmo de porros, fandangos y puyas reemplazando la escasa, lenta y pesada brisa por torbellino realmente arrebatado: la banda de porros pelayeros.

Aunque el porro también tiene un ecléctico origen enraizado en músicas europeas, negras e indígenas, se diferencia del bullerengue por su carácter académico y urbano. Lo anterior no quiere decir que uno sea mejor que el otro. Se trata simplemente de manifestaciones musicales que surgidas en similares condiciones históricas y geográficas, tomaron rumbos divergentes y se hicieron únicas definiendo irrevocablemente las abundancia melódica de una zona colombiana donde en menos de 90 kilómetros conviven la metafórica sencillez del bullerengue y la extravagancia sonora del porro.

El delicioso ocio pelayero
Abordo el “Loriqueño”, bus municipal que me lleva de Montería a San Pelayo en compañía de Mange, saxofonista bogotana que también viaja con la convicción de encontrarse de frente modos y costumbres que en un principio nos son tan ajenas que angustiosamente nos rodea una especie de síndrome de extranjería. Se hace entonces un tanto difícil pasar inadvertidos y creemos que las miradas escrutadoras de los pelayeros impedirán involucrarnos de lleno en la celebración.

No obstante nos abruma la condición de bogotanos somos recibidos de manera cordial y lo primero que nos ofrecen los músicos son sus casas. Luego de un par de averiguaciones nos alojamos en la espaciosa morada de Don Domingo que aunque no es músico deleita a los pelayeros con las delicias culinarias que prepara para vender los días en que el porro se tomará por asalto la población.

A lado y lado de las calles de San Pelayo, sólo se escucha música. A pesar de que la alcaldía ha decretado que sólo se puede escuchar porro en los días del festival, los picós vociferan vallenato, reggeaton y champeta, ritmos que amenizan una descomunal fiesta que tendrá inició la madrugada del 2 de julio con la llamada Alborada, tal vez el momento más excitante del festival pues los 300 músicos de las bandas participantes conforman la Gran Banda para interpretar los porros pelayeros más clásicos, entre ellos “María Varilla”, canción insigne inspirada por una delgada y legendaria bailarina que recorrió pueblos, veredas y caseríos danzando infatigable días y noches al son de los fandangos hasta que la sorprendio la muerte.

Los primeros días me resultó contradictorio que en medio de tan excesiva festividad nuestro ánimo se supeditara al relajamiento y al delicioso ocio contemplativo. Fueron horas y horas donde el sol vertical nos permitió observar un sinnúmero de macondianas personalidades cada cual más surrealista la una de la otra pero no tanto como el redoblantero de nombre bíblico que nos enseñó e ilustró acerca de las características del mencionado ritmo.

De ojos claros y desenvuelto acento sabanero, Jonás atacaba su redoblante en medio de malabares, contorsiones y un mar de ron, elíxir necesario para sobrellevar el ritmo endiablado de los porros palitiados y los porros tapaos, formas musicales que junto al fandango conforman los estilos de interpretación del saber musical sabanero.

“Enseño a tocar y a bailar para que a la gente no se le olvide de donde proviene”, nos dice con el aire de un buen maestro que atento a su tiempo sabe entender otras manifestaciones modernas de la música. Empero su elocuencia, Jonás no comprende porque la gente descuida sus músicos y vitorea circunstancialmente las desacertadas palabras de Jorge Villamizar, cantante de Bacilos, quien, a pesar de ser natal de Montería, afirma en público conocer poco o nada del festival al que ha sido invitado.

En seguida de las desafortunadas palabras de Villamizar, Jonás nos mira y con sutil sonrisa nos dice resignado y parodiando la famosa canción: “No importa, al fin y al cabo no nos interesan los millones, lo importante es la fiesta”.

Haciendo caso omiso del desaire, caminamos junto a Jonás quien nos invita a culminar nuestro viaje en medio de la “rueda de fandango”, otro baile que análogo al bullerengue, decanta el cuerpo a través de las trompetas, los bombardinos, los trombones, los redoblantes, los bombos y los platillos, instrumentos ágilmente manipulados por colombianos colmados de modestas razones para sobrellevar el desencanto que produce vivir en un país infectado por la peste del olvido.

Abandonamos la enorme tarima María Varilla en el delirio del alba del 4 de julio y nos preparamos para el regreso al día siguiente. Mi compañera toma un avión y yo subo a un bus abrigado por una tarde somnolienta. Es entonces cuando comprendo el final del viaje y las palabras que Doña Geo, la mujer anciana que albergó parte de mi estancia en Puerto Escondido, pronunció la noche en que el bullerengue se transformó en silencio: “Lo que más me gusta del festival es cuando se acaba pues la música queda por ahí, dando vueltas en el aire”.

Bogotá, Agosto de 2005

La montaña

2008-01-09T20:53:00.000-08:00

Soatá está al norte de Boyacá en el costado occidental del Cañón del Chicamocha. Varios kilómetros adelante, ya en Santander, se encuentra Piedecuesta, ciudad natal de Edson Velandia.

Él habla de borricos, de fantasmas, de enamorados que amanecen taciturnos en el rancho de su amada, de geometrías imposibles y también habla de las montañas.

Me encontré esas mismas montañas en Soatá. Desde niño me las topé y hoy las recuerdo con un nudo en la garganta.

Esta es la letra del señor Velandia que hoy me ha puesto de nuevo en la inocencia. Fue escrita para un disco de música infantil llamado "Sócrates". La canta él con los niños del jardín infantil La Ronda.

La sencillez me deslumbra.

LA MONTAÑA

La montaña por donde cae el sol,

Camino que lleva al río,

La leña que llama al fuego,

Canción que espanta la tempestad.

Las aves que anuncian la noche,

Viento que viene frío,

La piedra donde se sienta Dios,

La calma del caracol.

Duerme niña,

Que yo te nombro el paisaje.

La cueva donde nació el ratón,

Camino que lleva al monte,

El agua de los remedios,

Canción que arrulla la soledad.

La nube que mira la luna,

Rumores de los cantores,

Las tres estrellas de siempre,

El árbol matarratón.

Duerme niña,

Que tiene sueño el cantante.

Edson Velandia

Estas fotos fueron tomadas a principios de 2007 en la vereda La Chorrera desde las laderas donde se encuentra situada Betania, la casa de mis abuelos y mis tíos. Queda a 10 minutos de Soatá.

Colombia es pasión!!!

2008-01-09T10:00:00.000-08:00

Qué aburrida frase esta. Es como si quisieran encerrar en tres palabrejas a las reinas, el sombrero vueltiao, la ruanita de Uribe, las sonsas letras de Juanes, la "originalidad" del tropipop, los graznidos de Shakira, la falacia del 5-o, Julito Sánchez, "la profundidad" de Andrés López, la "sensatez" de Alejandro Villalobos, el "surrealismo latinoamericano" de Andrés Carne de Res, la sofisticación europea del Parque de la 93 -me cago en cada uno de los sitios que rodean esta funesta cuadra de yuppies, arribistas y traquetos mal disimulados-, y "la magia histórica" de Cartagena de Indias. Que jartera. A veces no sé si se trata de un complejo de inferioridad al revés. ¿Hasta cuándo tendremos que comernos el cuento de qué vivimos en el "mejor país del mundo" si esto es lo que nos representa?

A los Gaiteros (que llevan por lo menos medio siglo haciendo música) les arman tremendo barullo por un Grammy que no dice nada. Pero, ¿huy!, que hazaña, dirán los medios. Cuál hazaña, me pregunto. Esperar una pensión por mantener viva una tradición, eso si es una hazaña. Nuestros embajadores nos representan con honores en los Grammy. Bahh, que mentira. Si ni siquiera al Ministerio de Cultura se le pasó por la mente comprarles un tiquete para que fueran a recoger el premio. - Resulta bien irónico que hallan sido los de Calle 13 quienes los montaron al avión-.

A la vuelta de unos meses a todo el mundo se le olvida y estarán, como siempre, enganchados a la indescriptible sesión de estupideces que a diario son emitidas por RCN, La Mega y Caracol (otros tres baluartes que se pueden incluir en el connotado slogan); atentos y deslumbrados por nuestro glorioso campeonato de fútbol y espectantes (llenos de amor patrio) por la típica noticia del colombiano (que no es colombiano, en su defecto tiene algún familiar) que triunfa en la Nasa o dibuja morraquitos en la última película animada de Pixar.

Tan apasionados somos que el mejor tropipop, el más "agreste y de calidad" (ej. Fanny Lú y Bonka) nos llega "made in Miami".

Colombia es una pasión encerrada en una desvencijada pelota de letras.

Los diez que son más de veinte

2007-12-19T10:04:00.000-08:00

Me encontré una lista elaborada por Juan Carlos Garay donde están los 10 mejores discos del 2007. Muy acertada. Priman las producciones independientes y no hay asomo de disqueras pagando para que sus artistas salgan favorecidos. Esto dice mucho. En un país atestado de grabaciones fáciles y emisoras que no se la juegan por artistas honorables, es muy significativo que los diez del año no pertenezcan al circuito comercial.
No obstante, y esto es también de suma importancia, no son solo diez. Hay más producciones que por razones de espacio no salieron. Aquí van:

1. Trío Nueva Colombia/"El arte de la memoria"/Independiente
2. Tres Gatos/"K-minos"/Independiente
3. Gina Savino & Kike Mendoza/"Un lugar"/Independiente
4. Trío La Red/"La Red"/Independiente
5. Primero Mi Tía/"Pingueria"/La Distritofónica
6. Sueños Sonoros/"Suramericana de sueños sonoros"/Independiente
7. Sonora 8/"Zoo-nando"/Independiente
8. Koyi K Utho/Viologic/EMI
9. Meridian Brothers/El advenimiento del castillo mujer"/La Distritofónica
10. La Comparasa de los Músicos/"Jipiyam y Raspacanillas"/La Distritofónica
11. Son de Ovejas/"Son de ovejas"/MTM
12. Ricardo Gallo/"Urdimbres y marañas"/La Distritofónica
13. Varios Artistas/"Neotrópico"/MTM
14. La República/"Neo- tropical"/Merlín Studios
15. Plan C/"Volar"/ISSI REcords
16. Urbambú/"Urbambú"/Independiente
17. Sinto/"Me lo palankeo"/Señora Sol Producciones
18. Bomba Estéreo/"Vol. 1"/Polen
19. Choquibtown/"Somos pacífico"/Polen (Reedición)

20. Verde 3/"Radio Verde3"/Independiente

21. La Banda/"El Barrio"/Independiente

22. Sexteto Latino Moderno/"Al acecho"/Independiente

23. Música Ficta/"del mar del alma"/Independiente

24. Edson Velandia & Jardín Infantil La Ronda/"Sócrates"/Cinechichera Producciones

Y eso que no sé que sucede en los Llanos donde se producen alrededor de 30 discos al año. Lo mismo con la música guasca, algo en el pacífico y, obviamente, el rock que este año no pisó duro.
Además, por fuera de nuestras fronteras se editaron algunos discos entre ellos dos de Juan Pablo Balcázar, uno de Héctor Martignón y otro de The Little, proyecto del contrabajista Santiago Botero.

A propósito, esta es la lista de Garay:

1. La 33/"Gózalo"/Independiente
2. Alfonso Córdoba "El Brujo"/Música del viejo Chocó/Guana Records
3. Septófono/"Encarrilados"/Independiente
4. Velandia y la Tigra/"Once rasqas"/Cinechichera Producciones
5. Odio a Botero/"Kill the cuentero/Surfonic
6. La Revuelta/"Agua"/La Distritofónica
7. Ensamble Sinsonte/Reversiones/Guana Records
8. Retrovisor/Amazonas S.O.S/Independiente
9. Carolina Muños y E2/"Vida"/Independiente
10. Hora Local/"Soluciones para todo menos para los problemas"/MTM

Señal de prueba

2007-08-29T10:36:00.000-07:00

Probando 1,2,3.
En La Rumbita de Metrópolis me encontré cinco títulos sugerentes:
Ornette Coleman/ Forms & Sounds/ Bluebird (1987) $6000
Jack DeJohnette/ New Directions/ ECM (1978) $6000
Roland Kirk/Rip, Rig and Panic/ Emarcy (1990) $6000
Sidsel Endresen/ Exile/ ECM (1994) $6000
Paul Bley, Evan Parker, Barre Phillips/ Time will tell/ ECM (1995) $6000

Precios módicos. El que busca encuentra. Bogotá está llena de sorpresas